voz off

53º Aniversário Cine Clube - Night on Earth (3 de Dezembro, Sede)

2011-11-15T00:43:00.005Z

No 53º aniversário do Cine Clube do Barreiro, promovemos uma tarde de convívio, com snacks e moscatel, no auditório da nossa sede, no coração do Barreiro Velho, com a projecção do filme de Jim Jarmush, "Night on Earth", pelas 15h30 de sábado dia 3 de Dezembro.

Ficha Técnica
Título: Noite na Terra
Título original: Night on Earth
Realização e argumento: Jim Jarmusch

Ano: 1991
Estreia em Portugal : 1993
País: França, Reino Unido, Alemanha, EUA, Japão
Duração: 129 min.
Género: comédia, drama
Intérpretes: Gena Rowlands, Winona Ryder, Armin Mueller-Stahl, Beatrice Dalle, Roberto Benigni
Site: IMDb

Sinopse:
Five cities. Five taxicabs. A multitude of strangers in the night. Jim Jarmusch assembled an extraordinary international cast of actors (including Gena Rowlands, Winona Ryder, Armin Mueller-Stahl, Beatrice Dalle, and Roberto Benigni) for this hilarious quintet of tales of urban displacement and existential angst, spanning time zones, continents, and languages. Jarmusch's lovingly askew view of humanity from the passenger seat makes for one of his most charming and beloved films.

Mês da Música - ciclo de cinema (25, 26 e 27 de Outubro, Auditório da Biblioteca Municipal)

2011-10-18T00:02:00.007+01:00

[clicar na imagem para aumentar]

Ciclo de Cinema integrado no Mês da Música 2011

Data:
Dias 25, 26 e 27 de Outubro pelas 21h30

Local:
Auditório da Biblioteca Municipal do Barreiro

ENTRADA GRATUITA

Ficha do evento Ciclo de Cinema @ facebook

Organização:
Câmara Municipal do Barreiro,
com o apoio do Cineclube do Barreiro

Programação:

- 25 de Outubro (21h30) - O Piano / The Piano
- 26 de Outubro (21h30) - Através da Noite / Sweet and Lowdown
- 27 de Outubro (21h30) - Walk the Line

Mais informações: Mês da Música 2011 (CMB)

Programa completo: ficheiro .pdf (CMB)

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Dia 25 de Outubro (21h30)

O PIANO / THE PIANO

(Jane Campion, 1995, Nova Zelândia)

Sinopse: Ada (interpretada por Hooly Hunter) é uma mulher que não fala desde os
6 anos de idade e a sua maior paixão é o piano. Em conjunto com a sua
filha, é enviada para a Nova Zelândia, em meados do século XIX, para
um casamento arranjado com um rico colono (Sam Neil) com o qual não
simpatiza. E através do piano, um dos trabalhadores (Harvey Keitel)
apaixona-se por Ada.

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Dia 26 de Outubro (21h30)

ATRAVÉS DA NOITE / SWEET AND LOWDOWN

(Woody Allen, 1999, EUA)

Sinopse: Um falso documentário sobre um talentoso músico de jazz ficcionado dos
anos 30, Emmet Ray (interpretado por Sean Penn), considerado como o
segundo maior guitarrista do mundo, superado apenas por Django
Reinhardt. Arrogante e mulherengo, Ray oscila entre a sua paixão pela
música e algumas desventuras amorosas.

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Dia 27 de Outubro (21h30)

WALK THE LINE

(James Mangold, 2005, EUA)

Sinopse: Uma crónica de uma das lendas da música country e rock, Johnny Cash
(interpretado por Joaquin Phoenix), baseado na autobiografia do
músico. Nascido numa pobre família dedicada à cultura do algodão, Cash
vai atingir a fama juntamente com companheiros de palco como Elvis
Presley e June Carter (Reese Witherspoon), pela qual se irá apaixonar,
levando à progressiva destruição do seu casamento.

Buena Vista Social Club - Wim Wenders (22 de Outubro, Polidesportivo Zona 4 - Alto do Seixalinho, 21h30)

2011-10-17T23:12:00.011+01:00

[clicar na imagem para aumentar poster]

Ficha do evento @ Facebook

Sessão de cinema integrado no programa de aniversário da Junta de Freguesia do Alto do Seixalinho, numa colaboração entre o Cine Clube, a Associação Africana do Barreiro e a Zona 4.

Local: Polidesportivo Zona 4, Alto do Seixalinho (próximo à "Santinha")
Acesso: cruzamento da Praceta Dom Duarte com a Rua Capitães de Abril (no seguimento da Rua Dr. Manuel Pacheco Nobre)

Data: sábado 22 de Outubro, pelas 21h30

Ficha Técnica
Título: Buena Vista Social Club
Realização: Wim Wenders

Argumento: Nick Gold
Estreia : 1999
País: Alemanha, EUA, Reino Unido, França, Cuba
Duração: 105 min.
Género: Documentário, Música
Participação dos músicos: Compay Segundo, Ibrahim Ferrer, Rubén González, Elíades Ochoa, Ry Cooder
Site oficial: buenavistasocialclub.com

Sinopse:
Em 1998 o realizador Wim Wenders deslocou-se a Cuba para realizar um documentário sobre a riqueza da música cubana. Fez-se acompanhar pelo guitarrista Ry Cooder que, juntamente com um grupo de músicos veteranos de Cuba, residentes nos Estados Unidos, enriqueceu, deste modo, o documentário com os seus próprios depoimentos.

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800 Balas - Álex de la Iglesia (16 de Setembro, 21h30, Pq. Catarina Eufémia)

2011-09-11T23:53:00.012+01:00

Ficha do evento @ Facebook

Ficha Técnica

Título: 800 Balas
Realização: Álex de la Iglesia
Argumento: Jorge Guerricaechevarría, Álex de la Iglesia
Ano: 2002
País: Espanha
Estreia em Portugal: 2005
Duração: 124 min.
Classificação: M/12
Género: comédia, western
Intérpretes: Sancho Gracia, Ángel de Andrés López, Carmen Maura, Eusebio Poncela, Luis Castro, Terele Pávez
Site oficial: AlexdelaIglesia.com

Nota:
Excepcionalmente este filme será exibido com legendas em inglês.

Sinopse:

O deserto de Almería, nos confins de Espanha, serviu durante muitos anos como cenário dos míticos Spaghetti Westerns. E é aí que resiste um grupo de antigos duplos de cinema, liderados por Julián (Sancho Gracia), num patético parque de diversões, no qual o seu ganha-pão baseia-se em recriar cenas de filmes de cowboys para escassos turistas estrangeiros.
Em breve, Julián vai conhecer o seu neto Carlos (Luis Castro), que fugiu da sua casa em Madrid para descobrir o passado enigmático do seu falecido pai, também ele duplo de cinema.
Mas a mãe de Carlos (Carmen Maura), uma poderosa mulher de negócios, decide enfrentar os fantasmas do passado, e passa ao ataque, tendo em vista um milionário negócio imobiliário.
E o grupo de cowboys de Julián, sob ameaça de expulsão, vai resistir com apenas 800 balas...

Comentário:

Mais uma comédia do realizador espanhol Álex de la Iglesia, responsável por filmes como "Acción mutante", "El dia de la bestia" ou "La comunidad".
E desta feita, fazendo homenagem ao género Spaghetti Western, com um filme que ele próprio classifica como "marmitako western", numa adaptação à culinária do País Basco e da sua cidade-natal Bilbau.

[O jovem protagonista Luis Castro e realizador Álex de la Iglesia ]

O Gendarme de Saint Tropez (9 de Setembro, 21h30, Parque Catarina Eufémia)

2011-09-08T00:39:00.006+01:00

Ficha do evento @ Facebook

Ficha Técnica

Título: O Gendarme de Saint Tropez
Título original: Le gendarme de Saint-Tropez
Realização: Jean Girault
Baseado no argumento original de: Richard Balducci
Adaptação: Jean Girault, Jacques Vilfrid, Louis de Funès
Ano: 1964
País: França, Itália
Duração: 95 min.
Género: Humor
Classificação: M/12
Intérpretes: Louis de Funès, Geneviève Grad, Michel Galabru
Site: IMDb

Sinopse:

O gendarme francês Cruchot (Louis de Funès) é transferido para Saint Tropez após a sua promoção. Ao chegar, revela um nível de exigência que espanta os seus subalternos. A filha, fascinada com o luxo de Saint Tropez e para ser aceite pelos filhos dos meninos "bem", faz-se passar pela filha de um ricaço dono de um iate. Alheio ao que se passa, o pai Cruchot anda à caça dos e das nudistas...

Aeroplano (26 de Agosto, 21h30, Parque Catarina Eufémia)

2011-08-23T22:45:00.011+01:00

Ficha do evento @ Facebook

Ficha Técnica

Título: Aeroplano
Título original: Airplane!
Realização e argumento: Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker
Ano: 1980
País: E.U.A.
Duração: 85 min.
Género: Humor
Classificação: M/12
Intérpretes: Robert Hays, Julie Hagerty, Leslie Nielsen, Peter Graves, Kareem Abdul-Jabbar, Lloyd Bridges, Robert Stack e Otto (piloto automático insuflável)
Site: IMDb

Sinopse:

Robert Hays desempenha o papel de Ted Striker, um ex-piloto de caças de guerra que, devido a uma fatídica missão sobre Macho Grande, ficou com pânico a pilotar aviões.
Anos depois, Striker terá de enfrentar o seu trauma de forma a salvar a sua relação com Elaine (Julie Hagerty), hospedeira de vôo. Contudo, durante a viagem toda a tripulação sucumbe a um envenenamento alimentar, o que faz de Ted Striker a única pessoa capaz de aterrar o avião. O que não são boas notícias nem para o resto dos passageiros, nem para os incompetentes controladores de vôo.

Uma obra-prima de comédia que tem tanto de arrebatador como de absurdo, cujo elenco, para além de Robert Hays e Julie Hagerty, é composto por Robert Stack, Lloyd Bridges, Peter Graves, Leslie Nielsen, Kareem Abdul-Jabbar (jogador de basquetebol) e até mesmo o piloto automático insuflável Otto...

Há Festa na Aldeia - Jacques Tati (19 de Agosto, 21h30, Pq. Catarina Eufémia)

2011-08-18T22:48:00.003+01:00

Ficha do evento @ Facebook

Ficha Técnica

Título: Há Festa na Aldeia
Título original: Jour de fête
Realização: Jacques Tati
Argumento: Jacques Tati, Henri Marquet, René Wheeler
Filmagens: 1947
Estreia (versão a preto e branco): 1949
Restauro da versão a cores: 1995
País: França
Duração: 80 min.
Género: Humor
Classificação: M/12
Intérpretes: Guy Decomble, Jacques Tati, Paul Frankeur, Santa Relli
Site: IMDb

Sinopse:

A pequena aldeia de Sainte-Sévère prepara-se para a festa anual. As ruas estão enfeitadas com flores e bandeiras. Os forasteiros chegam com as suas caravanas para montar o carrocel, a lotaria, o cinema ambulante e as barracas de tiros. A esplanada do café está pronta a acolher o baile popular. Entretanto, alguns dos habitantes brincam com o carteiro François, embriagando-o e levando-no a assistir a um filme sobre os métodos revolucionários de distribuição de correio nos Estados Unidos. E François resolve pôr em prática algumas das ideias do filme, para tornar o seu trabalho mais produtivo...

Comentário:

Nesta sua primeira longa-metragem, onde Jacques Tati explora o "conflito" entre as tradições populares da França provinciana e o progresso e a modernidade do pós-2ª Guerra Mundial, foi utilizada uma película a cores do processo Thomson Color. Contudo, por precaução, filmou simultaneamente com uma segunda câmara, com película a preto e branco.
Por ser um processo a cores experimental, não lhe foi possível revelar a película e Tati decidiu utilizar a versão a preto e branco, que estreou em 1949. Descontente com o resultado, em 1964, o realizador lança uma nova versão do filme, com novas filmagens e chegando mesmo a pintar à mão alguns dos planos. Finalmente, em 1995 é lançada uma versão restaurada do filme a cores.

A Noite dos Parques Vivos - Alteração da programação

2011-08-17T23:08:00.003+01:00

Contrariamente ao planeado, o Cine Clube do Barreiro não irá exibir o filme JOHNNY STECCHINO, na noite de 19 de Agosto.

Na impossibilidade de contarmos com a comédia do realizador italiano Roberto Benigni, propomos como alternativa o filme JOUR DE FÊTE / HÁ FESTA NA ALDEIA, de Jacques Tati.

Pedimos desculpa pela mudança de planos.

Sexta-feira dia 19 de Agosto, pelas 21h30
Local: centro do Parque Catarina Eufémia, Barreiro

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Mortinho Por Chegar a Casa - Carlos da Silva e George Sluizer (5 de Agosto, 21h30, Pq. Catarina Eufémia)

2011-08-02T22:57:00.008+01:00

Ficha do evento @ Facebook

Ficha Técnica

Título original: Mortinho Por Chegar a Casa
Realização: Carlos da Silva e George Sluizer
Argumento: Carlos da Silva e Jennifer Field
Ano: 1996
País: Portugal, Holanda
Duração: 106 min.
Género: Humor
Classificação: M/12
Intérpretes: Diogo Infante, Maria d'Aires, Jack Wouterse, Huub Stapel, Herman José
Site: IMDb

Sinopse:

Manuel Espírito Santo (Diogo Infante) emigra para a Holanda, abandonando a sua terra natal, Mina de São Domingos. Um dia acorda num cemitério e descobre que se tornou num fantasma. Um velho chinês, também fantasma, que ocupa a campa ao seu lado informa-o da má notícia: Manuel só tera descanso quando os seus ossos estiverem de volta à terra natal. A única maneira de comunicar com os vivos é através dos sonhos - que estes tendem unanimemente a esquecer logo que acordam. As suas esperanças vão recair sobre a sua irmã Júlia (Maria d'Aires) mas nem tudo é fácil. Porque, é verdade que existem benefícios quanto a ser imaterial, mas apesar do divertimento, ninguém o consegue ouvir, ninguém o consegue ver e ele... continua mortinho por chegar a casa.

O Meu Tio - Jacques Tati (29 de Julho, 21h30, Pq. Catarina Eufémia)

2011-07-25T21:41:00.008+01:00

Ficha do evento @ Facebook

Ficha Técnica

Título: O Meu Tio
Título original: Mon oncle
Realização e argumento: Jacques Tati
Colaboração artística: Jacques Lagrange e Jean L'Hôte
Banda sonora: Franck Barcellini e Alain Romans
Ano: 1958
País: França, Itália
Duração: 111 min.
Género: Humor
Classificação: M/12
Intérpretes: Jacques Tati, Jean-Pierre Zola, Adrienne Servantie, Alain Becourt, Lucien Fregis, Dominique Maire
Site: IMDb

Sinopse:

O senhor e a senhora Arpel têm uma casa moderna num quarteirão asséptico. Eles têm tudo, conseguiram tudo, na casa deles é tudo novo: o jardim é novo, a casa é nova, os livros são novos. Neste universo tão confortável, tão clean, tão high-tech, tão bem programado, o humor, os jogos e a sorte não têm lugar. E o filho Gérard aborrece-se de morte. É então que irrompe o irmão da senhora, o tio, o Sr. Hulot. Personagem inadaptada, habituada ao seu mundo caloroso, vai, para delírio do sobrinho, virar tudo de pernas para o ar.

Comentário:

«"Mon Oncle" é um filme de 1958, mas que permanece tremendamente actual nos dias de hoje. Representando um período pós-guerra em França, fala-nos da orientação para ambientes "futuristas", retratando a evolução do design em contraste com os ambientes tradicionais vividos num bairro normal francês. Para além disso, mostra-nos a valorização exacerbada pelas classes média-alta a esses valores, em detrimento de valores de maior proximidade com o outro.
O maior fascínio da obra de Jacques Tati é a linguagem simples sobre assuntos bastantes complexos. Num argumento onde os diálogos são quase inexistentes (aliás, Monsieur Hulot só diz uma única frase durante todo o filme), Tati consegue retratar um ambiente de cinema mudo, onde o riso surge expontaneamente em resposta às acções das personagens, mas consegue também concentrar a nossa atenção para todos os aspectos não verbais, que acabam por servir como metáforas das questões que Tati levanta. Como se costuma referir em alguns livros de guionismo, "se puderes retratar uma ideia, uma emoção ou conceito através das acções das personagens fá-lo, não utilizando diálogos para isso". Tati consegue fazer isso de forma magistral, criando-me curiosidade para descobrir a sua restante obra.»
(autoria: Nuno Cargaleiro)

O mundo é um manicómio - Frank Capra (23 de Julho, Pq. Catarina Eufémia, 21h30)

2011-07-21T23:22:00.004+01:00

Ficha Técnica

Título: O mundo é um manicómio
Título original: Arsenic and Old Lace
Realização: Frank Capra
Ano: 1944
País: E.U.A.
Estreia em Portugal: 1947
Duração: 118 min.
Género: Humor
Classificação: M/12
Intérpretes: Cary Grant, Josephine Hull, Jean Adair, Raymond Massey
Site: IMDb

Sinopse:

Baseado na peça de teatro de Joseph Kesselring, "Arsenic and Old Lace" conta-nos a mirabolante história de Mortimer (Cary Grant) que apesar de ser um grande crítico do casamento, resolve casar no dia das bruxas. De visita à família para celebrar o matrimónio, Mortimer vai descobrir que as suas duas tias têm o estranho hábito de matar idosos... por caridade.

A Pantera Cor-de-Rosa - Blake Edwards (15 de Julho, Pq.Catarina Eufémia, 21h30)

2011-07-15T00:16:00.003+01:00

Ficha Técnica

Título: A Pantera Cor-de-Rosa
Título Original: The Pink Panther
Realização: Blake Edwards
Argumento: Maurice Richlin e Blake Edwards
Ano: 1963
País: E.U.A.
Duração: 110 min.
Género: Humor
Classificação: M/12
Intérpretes: David Niven, Peter Sellers, Robert Wagner, Capucine e Claudia Cardinale
Site: IMDb

Sinopse:

Ao chegar a uma estação de esqui na Suíça com uma gema preciosa conhecida como a "Pantera Cor-de-Rosa", a Princesa Dahla conhece o sofisticado Sir Charles, sem desconfiar que ele é um famoso ladrão de jóias conhecido como "o Fantasma"! Entra em cena o Inspetor Jacques Clouseau, o policial mais desastrado que já tropeçou em um vaso. Será que ele é capaz de impedir que Sir Charles deixe a princesa sem seu diamante? Ou será que o Fantasma conseguirá roubar a jóia e deixar Clouseau de mãos vazias?
O primeiro filme da saga da Pantera Cor-de-Rosa, com o desajeitado Inspector Clouseau, interpretado por Peter Sellers.

A Noite dos Parques Vivos (Julho a Setembro 2011, Parque Catarina Eufémia)

2011-07-05T00:39:00.011+01:00

A Noite dos Parques Vivos

Mais uma vez, chegou o Verão. E com ele, volta o cinema ao ar livre no Parque Catarina Eufémia: "A Noite dos Parques Vivos", uma parceria do Cine Clube do Barreiro com a Câmara Municipal, este ano dedicado ao cinema de humor, desde 1944 até hoje. Das praias de Saint-Tropez até Nova Iorque, passando pelo deserto de Almeria. De avião, ou aeroplano.

[clique na imagem para aumentar]

Ciclo de cinema de humor
De Julho a Setembro, quase sempre à sexta-feira,
no Parque Catarina Eufémia, sempre pelas 21h30.
Sessões ao ar livre.

Programa completo:

8 de Julho (sexta-feira)
VIGARISTAS DE BAIRRO / Small Time Crooks (Woody Allen, EUA, 2000)

15 de Julho (sexta-feira)
A PANTERA COR-DE-ROSA / The Pink Panther (Blake Edwards, EUA, 1963)

23 de Julho (sábado)
O MUNDO É UM MANICÓMIO / Arsenic and Old Lace (Frank Capra, EUA, 1944)

29 de Julho (sexta-feira)
O MEU TIO / Mon Oncle (Jacques Tati, FRA, 1958)

5 de Agosto (sexta-feira)
MORTINHO POR CHEGAR A CASA (Carlos da Silva e George Sluizer, PT, 1996)

19 de Agosto (sexta-feira)
JOHNNY STECCHINO (Roberto Benigni, ITA, 1991)

26 de Agosto (sexta-feira)
AEROPLANO / Airplane! (Jim Abrahams, David Zucker e Jerry Zucker, EUA, 1980)

9 de Setembro (sexta-feira)
O GENDARME DE SAINT TROPEZ / Le gendarme de Saint-Tropez (Jean Girault, FRA, 1964)

16 de Setembro (sexta-feira)
800 BALAS (Alex de la Iglesia, ESP, 2002)

PROGRAMA PARA ACÇÃO DE FORMAÇÃO DE NOVOS PÚBLICOS

Nota:
Esta programação pode sofrer alterações.

Mais informações:
Site da Câmara Municipal do Barreiro
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Programação Espaços Vivos 2011 - CMB (pdf)

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Guia Documental do Arquivo do Cine Clube do Barreiro

2011-06-14T23:41:00.010+01:00

GUIA DOCUMENTAL DO ARQUIVO DO CINE CLUBE DO BARREIRO

Lançamento público

Dia 18 de Junho (15 horas)
Local: Auditório da Biblioteca Municipal do Barreiro
Entrada livre

A publicação do Guia Documental do Arquivo do Cine Clube do Barreiro surge na sequência do protocolo celebrado entre esta a Câmara Municipal do Barreiro e o Cine Clube em Julho de 2009, com o objectivo de tratamento, organização e divulgação do acervo documental histórico da instituição.

Desde 2008 que o Gabinete de Arquivo e Gestão Documental da Câmara Municipal do Barreiro tem vindo a publicar a colecção "Cadernos do Arquivo", dedicada à divulgação da documentação histórica de interesse para a história do concelho do Barreiro, como são exemplos os guias anteriormente publicados do Jardim de Infância D. Pedro V, do Sindicato dos Ferroviários e do espólio de Olga Costa Mano.

O lançamento público do Guia do Cine Clube será acompanhado de reflexão sobre a actualidade do Cineclubismo, por João Paulo Macedo (Federação Internacional de Cineclubes); da exibição do documentário "Fragmentos" (realizado em 2009 nos ateliers de video do Cine Clube do Barreiro); e por último, por concerto de jazz do trio de Jorge Moniz (bateria), com Júlio Resende (piano) e João Custódio (contrabaixo).

Nota explicativa do documentário "FRAGMENTOS":

"Fragmentos é o resultado de um projecto cinematográfico no qual os criadores exploraram e interpretaram o Barreiro Actual, numa forte base experimental, utilizando registos e relações espaciais e sociais.
A partir de uma curta oficina de vídeo realizada em Abril de 2009, procuramos estimular o talento dos participantes com o objectivo de promover leituras visuais e inovadoras do Barreiro."
(coordenador do projecto: Pedro Sena Nunes)

Organização conjunta:
Cine Clube do Barreiro e Câmara Municipal do Barreiro.

Mais informações:
- página oficial do músico Jorge Moniz - http://www.jorgemoniz.com/
- site do Arquivo Municipal do Barreiro - http://www.cm-barreiro.pt/pt/conteudos/Arquivo+Municipal/

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Billy Elliot (26 de Maio, Biblioteca Municipal, 21h)

2011-05-23T23:41:00.004+01:00

Dia 26 de Maio (21h)
Local: Auditório da Biblioteca Municipal do Barreiro
Entrada gratuita

BILLY ELLIOT

(Stephen Daldry, França / Reino Unido, 2000)

Sinopse: Em 1984 numa cidade do norte de Inglaterra, um jovem rapaz de uma família de mineiros troca as aulas de boxe por aquilo que sente ser a sua vocação: a dança. Por entre o preconceito e o clima de conflituosidade laboral que afecta a sua família, Billy Elliot vai lutar para alcançar o seu sonho.

Moulin Rouge (25 de Maio, Biblioteca Municipal, 21h)

2011-05-23T23:40:00.003+01:00

Dia 25 de Maio (21h)
Local: Auditório da Biblioteca Municipal do Barreiro
Entrada gratuita

MOULIN ROUGE

(Baz Luhrmann, Austrália / EUA, 2001)

Sinopse: Um filme musical que conta a história de romance entre uma famosa dançarina cortesã e um jovem que aspira a ser poeta boémio em Paris, em 1899, tendo como pano de fundo o famoso clube Moulin Rouge, onde a alta sociedade se mistura com os mais pobres.

Serenata à Chuva (24 de Maio, Biblioteca Municipal, 21h)

2011-05-23T23:39:00.004+01:00

Dia 24 de Maio (21h)
Local: Auditório da Biblioteca Municipal do Barreiro
Entrada gratuita

SERENATA À CHUVA

(Stanley Donen e Gene Kelly, EUA, 1952)

Sinopse: Um famoso par romântico do grande ecrã, Don e Lina, vão participar num musical de Hollywood, mas será a namorada de Don na vida real que terá de dobrar a voz de Lina. "Singing in the rain", um clássico do cinema musical que retrata a transição dos filmes mudos para sonoros no final dos anos 20.

Mês da Dança - Ciclo de cinema (24, 25 e 26 de Maio, Biblioteca Municipal, 21h)

2011-05-23T22:20:00.006+01:00

Ciclo de Cinema integrado no Mês da Dança 2011

Data:
Dias 24, 25 e 26 de Maio às 21h

Local:
Auditório da Biblioteca Municipal do Barreiro

ENTRADA GRATUITA

Organização:
Câmara Municipal do Barreiro,
com o apoio do Cineclube do Barreiro

Programação:

- 24 de Maio (21h) - Serenata à chuva / Singing in the rain
- 25 de Maio (21h) - Moulin Rouge
- 26 de Maio (21h) - Billy Elliot

Mais informações: Mês da Dança 2011 (CMB)

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Dia 24 de Maio (21h)

SERENATA À CHUVA

(Stanley Donen e Gene Kelly, EUA, 1952)

Sinopse: Um famoso par romântico do grande ecrã, Don e Lina, vão participar num musical de Hollywood, mas será a namorada de Don na vida real que terá de dobrar a voz de Lina. "Singing in the rain", um clássico do cinema musical que retrata a transição dos filmes mudos para sonoros no final dos anos 20.

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Dia 25 de Maio (21h)

MOULIN ROUGE

(Baz Luhrmann, Austrália / EUA, 2001)

Sinopse: Um filme musical que conta a história de romance entre uma famosa dançarina cortesã e um jovem que aspira a ser poeta boémio em Paris, em 1899, tendo como pano de fundo o famoso clube Moulin Rouge, onde a alta sociedade se mistura com os mais pobres.

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Dia 26 de Maio (21h)

BILLY ELLIOT

(Stephen Daldry, França / Reino Unido, 2000)

Sinopse: Em 1984 numa cidade do norte de Inglaterra, um jovem rapaz de uma família de mineiros troca as aulas de boxe por aquilo que sente ser a sua vocação: a dança. Por entre o preconceito e o clima de conflituosidade laboral que afecta a sua família, Billy Elliot vai lutar para alcançar o seu sonho.

Peça de teatro - Vigilâmbulo Caolho (18 de Março, 21h30, sede)

2011-03-16T23:25:00.009Z

Peça da associação teatral VIGILÂMBULO CAOLHO, na sala do Cine Clube, no âmbito da programações da 15ena da Juventude e do Mês do Teatro, eventos organizados pela Câmara Municipal:

«TUDO SE ME TORNOU INSUPORTÁVEL, EXCEPTO A VIDA»

Sinopse:
Um actor diz textos de Fernando Pessoa acompanhado de som e imagem. Através desta experiência pretende‐se criar uma atmosfera que submerja o espetador num universo estranho e surpreendentemente próximo.

Ficha técnica:
Criação - Sérgio Antão e Júlio Mesquita;
Interpretação - Júlio Mesquita;
Som - Sérgio Antão;
Video - Gualter Amaro;
Produtor - João Fernandes;
Produção - Vigilâmbulo Caolho

Data e local:
Sexta-feira, 18 de Março de 2011, pelas 21h30
Sede do Cine Clube do Barreiro

ENTRADA LIVRE

Mais informações:

- Câmara Municipal do Barreiro
- Programação completa do Mês do Teatro (pdf)
- Programação completa da 15ena da Juventude (pdf)

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Noite de concertos Out.Ra (11 de Março, 21h30, Sede)

2011-03-04T21:01:00.006Z

Concerto anual organizado pela OUT.RA - Associação Cultural, na bonita e acolhedora sala do Cine Clube, mais uma vez a assinalar a abertura da 15ena da Juventude do Barreiro.

PÃO [Tiago Sousa Travassos Pedro Sousa]
Os recém-formados Pão mostram bem a riqueza novamente emergente da música experimental em Portugal, ao juntarem gerações e proveniências diferentes em busca de um todo maior: compostos por Tiago Sousa nos teclados, harmónio, e objectos, Travassos em electrónica analógica e Pedro Sousa no saxofone tenor, os Pão usam a livre improvisação como meio para a transcendência, criando uma música de imersão, de transe, onde se evocam extensas planícies e paisagens encarpadas.

ASIMOV FOLKWAYS
Novo veículo de expressão para Carlos Ferreira, líder dos saudosos e pioneiros Brainwashed By Amalia, agora em revisitação dos espíritos da folk americana por via de uma guitarra acústica em pulsação lenta e encantada. Sete anos depois da actuação dos Brainwashed no primeiro OUT.FEST, saúda-se o regresso à nossa cidade de um dos criadores mais devotos à pureza do psicadelismo.

Data e local:
Sexta-feira, 11 de Março de 2011, pelas 21h30
Sede do Cine Clube do Barreiro

ENTRADA LIVRE

Mais informações, site oficial da OUT.RA - Associação Cultural:
http://www.outra.pt/pt/
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Colóquio Cinemateca - FPCC (22 de Janeiro, 18h, Lisboa)

2011-01-20T23:13:00.004Z

Colóquio
"A Cinemateca e o acesso ao património cinematográfico em Portugal"

(co-organizado pela Cinemateca Portuguesa e pela Federação Portuguesa de Cineclubes)

Num momento em que a Cinemateca prepara o lançamento da sua presença no Porto, é fundamental alargar o debate ao tema mais vasto do acesso ao património cinematográfico no país. As mudanças que têm ocorrido na cinefilia tradicional, as novas formas de acesso aos clássicos por meio de novas tecnologias, a profusão de novos cursos de cinema a nível profissional e superior, tudo isso tem contribuído para tornar ainda mais gritante a lacuna do acesso ao património em sala fora da capital. As dificuldades na resolução eficaz deste problema, os caminhos para o conseguir e a articulação do assunto com as mutações tecnológicas em curso, são as questões a debater neste colóquio, co-organizado entre a Cinemateca e a Federação Portuguesa de Cineclubes.

Data e local:
Sábado, 22 de Janeiro de 2011, pelas 18:00
Sala Dr. Félix Ribeiro
Cinemateca Portuguesa
Rua Barata Salgueiro, nº.39, Lisboa

ENTRADA LIVRE

Mais informações: www.cinemateca.pt

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Ciclo de cinema português de animação (4ª sessão)

2010-12-06T23:43:00.004Z

Data: sábado, 11 de Dezembro, 17 horas
Local: Sede do Cine Clube do Barreiro

Entrada livre

Programa:

# A Noite
realização: Regina Pessoa
país: Portugal
produtora: Filmógrafo
ano: 1999
duração: 7 min.

# Taxi!
realização: Isabel Aboim Inglez
país: Portugal
produtora: Animais AVPL
ano: 2002
duração: 8 min.

# No Ponto Mais Alto da Lua
realização: Marina Palácio
país: Portugal
produtora: Zeppelin Filmes
ano: 2007
duração: 9 min.

# A Noiva do Gigante
realização: Nuno Amorim
país: Portugal
produtora: Animais AVPL
ano: 2007
duração: 9 min.

# Mi Vida En Tus Manos
realização: Nuno Beato
país: Portugal
produtora: Sardinha em Lata
ano: 2010
duração: 15 min.

# Passeio de Domingo
realização: José Miguel Ribeiro
país: Portugal
produtora: Zeppelin Filmes
ano: 2009
duração: 20 min.

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Parnassus - Terry Gilliam (10 de Dezembro, AMAC, 21h30)

2010-12-06T22:53:00.004Z

Ficha Técnica

Título completo: Parnassus - O Homem Que Queria Enganar o Diabo
Título original: The Imaginarium of Doctor Parnassus
Realização: Terry Gilliam
Género: Aventura, Fantástico
País: França / Canadá / Reino Unido
Género: Drama
Ano: 2009
Estreia em Portugal: 25 de Março de 2010
Duração: 123 min.
Intérpretes: Heath Ledger, Christopher Plummer, Lily Cole, Tom Waits, Johnny Depp, Jude Law, Colin Farell
Site oficial: http://www.doctorparnassus.co.uk/

[Heath Ledger]

Sinopse:

"Imaginarium" é o nome de um espectáculo fantástico e ambulante, que o Dr. Parnassus [Christopher Plummer] conduz de terra em terra, e que satisfaz todas as fantasias dos seus espectadores. Para isso recorre a um espelho mágico que os transporta do mundo real para o mundo da fantasia. Parnassus é um jogador inveterado e vive há milhares de anos, graças a uma aposta vencida com o Diabo que lhe deu a imortalidade. Séculos mais tarde apaixonou-se e propôs ao mesmo Diabo a troca da imortalidade pela juventude. Este concedeu-lha mas contra a promessa de Parnassus de lhe entregar a filha que nascesse desse amor quando esta chegasse aos 16 anos de idade. Agora que os dezasseis anos de Valentina [Lily Cole] – a sua filha – se aproximam, o diabo, também conhecido por Senhor Nick [Tom Waits], vem para cobrar a sua aposta. Mas Parnassus não está disposto a cedê-la e propõe-se de novo ir a jogo, contando para tal com a ajuda de Tony [Heath Ledger], um vigarista e misterioso contador de histórias.

[Tom Waits]

Comentário:

"Parnassus - O Homem Que Queria Enganar o Diabo será relembrado como o último filme de Heath Ledger, que empresta aqui a sua alma, não ao diabo literalmente, mas sim a uma personagem multi-facetada, dito na cultura popular, um sujeito com várias caras. (...) O realizador Terry Gilliam soube comportar-se a altura de contornar a trágica morte de Ledger, utilizando a metáfora de multi-facetado, que no seu conceito foi interpretado por Johnny Depp, Colin Farrell e Jude Law, que prestam a cara às inconclusivas cenas de Ledger."
(fonte: cinematograficamentefalando.blogs.sapo.pt)

Trailer:

Pedro Brito (Ciclo de cinema português de animação)

2010-11-30T23:04:00.009Z

[Tu és a mulher da minha vida, ela a mulher dos meus sonhos; Sem Respirar]

Nascido em 1975 no Barreiro, Pedro Brito é um destacado autor de banda desenhada e cinema de animação.

Começou pela banda desenhada, no mundo das fanzines e depois como co-fundador das Edições Polvo. Das suas publicações nesta área é de realçar o trabalho conjunto com João Fazenda, "Tu és a mulher da minha vida, ela a mulher dos meus sonhos", publicado em 2000 pela Polvo. Esta obra, na qual Pedro Brito é responsável pelo argumento e João Fazenda pelo desenho, recebeu os prémios de "Livro do ano 2000 em BD" pelo Diário de Notícias e de "Melhor Álbum Português" no Festival Internacional de Banda Desenhada da Amadora de 2001. Depois, já em 2008, foi traduzido para as línguas francesa e polaca.
A sua última publicação de banda desenhada foi em 2009, numa edição colectiva para a Câmara Municipal de Portimão, intitulada "Como Se Faz Uma Cidade", fruto do contacto com a população senior do concelho algarvio.

[Sem Dúvida, Amanhã!]

Em 1993, Pedro Brito inicia-se também no cinema de animação, sendo um dos principais colaboradores da produtora Animanostra, nomeadamente nas popular série "Os Patinhos". Será em 2003 que se estreia como realizador, com a curta-metragem "O Paciente", e no ano seguinte com a premiada "Sem Respirar". Em 2006 realiza "Sem Dúvida, Amanhã", com argumento próprio.
Actualmente, Pedro Brito trabalha no seu próximo projecto de animação, "Fado do Homem Crescido", em conjunto com João Paulo Cotrim.

[Fado do Homem Crescido, em produção]

Para além do cinema de animação e da banda desenhada, desenvolve um trabalho regular na área da ilustração.

[duas ilustrações realizadas no ano de 2010]

Na tarde de sábado dia 4 de Dezembro, pelas 17 horas, na sede do Cine Clube do Barreiro, Pedro Brito vai estar presente na 3ª sessão do Ciclo de Cinema Português de Animação, para conversar sobre a sua obra, sobre o estado actual do cinema de animação em Portugal e sobre tudo o resto. Entrada livre!

Mais informações:
# http://tomalabonecos.blogspot.com/
# http://brutodoodles.tumblr.com/

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Ciclo de cinema português de animação (3ª sessão)

2010-11-28T23:50:00.012Z

Data: sábado, 4 de Dezembro, 17 horas
Local: Sede do Cine Clube do Barreiro

Destaque: presença de Pedro Brito, autor de banda desenhada e cinema de animação (realizador da curta-metragem "Sem Dúvida, Amanhã!")

Entrada livre

Programa:

# Café
realização: João Fazenda e Alex Gozblau
país: Portugal
produtora: Filmógrafo / Cine Clube de Avanca
ano: 2009
duração: 7 min.

# Sem Dúvida, Amanhã!
(com a presença do realizador)
realização: Pedro Brito
país: Portugal
produtora: Animanostra
ano: 2006
duração: 7 min.

# História Trágica com um Final Feliz
realização: Regina Pessoa
país: Portugal / Canadá / França
produtora: Ciclope Filmes / Folimage / Office National du Film du Canada
ano: 2005
duração: 8 min.

# Os Olhos do Farol
realização: Pedro Serrazina
país: Portugal / Holanda
produtora: Sardinha em Lata / Photon Films / Filmógrafo / Unforgiven Filmes
ano: 2010
duração: 15 min.

# A Suspeita
realização: José Miguel Ribeiro
país: Portugal
produtora: Zeppelin Filmes
ano: 1999
duração: 25 min.

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Ciclo de cinema português de animação (2ª sessão)

2010-11-21T23:03:00.006Z

Data: sábado, 27 de Novembro, 17 horas
Local: Sede do Cine Clube do Barreiro

Entrada livre

# Guisado de Galinha
realização: Joana Toste
país: Portugal
produtora: Gomtch-Gomtch
ano: 2008
duração: 5 min.

# Todos os Passos

realização: Nuno Amorim

país: Portugal
produtora: Animais AVPL
ano: 2008

duração: 5 min.

# A Única Vez

realização: Nuno Amorim

país: Portugal
produtora: Animais AVPL
ano: 2010

duração: 6 min.

# Selo ou não sê-lo

realização: Isabel Aboim Inglez

país: Portugal
produtora: Animais AVPL
ano: 2006

duração: 9 min.

# Vacas

realização: Isabel Aboim Inglez

país: Portugal
produtora: Animais AVPL
ano: 2010

duração: 10 min.

# Stuart

realização: Zepe

país: Portugal
produtora: Zeppelin Filmes
ano: 2006

duração: 11 min.

# Viagem a Cabo Verde

realização: José Miguel Ribeiro

país: Portugal
produtora: Sardinha em Lata
ano: 2010

duração: 15 min.

Eu Sou o Amor - Luca Guadagnino (26 de Novembro, AMAC, 21h30)

2010-11-19T22:56:00.009Z

Ficha Técnica

Título: Eu Sou o Amor
Título original: Io sono l' amore
Realização: Luca Guadagnino
País: Itália
Género: Drama
Ano: 2009
Estreia em Portugal: 20 de Maio de 2010
Duração: 120 min.
Intérpretes: Tilda Swinton, Flavio Parenti, Edoardo Gabbriellini

Sinopse:

Emma (Tilda Swinton), é a matriarca da família Recchi, uma abastada família milanesa, há várias gerações ligada à indústria têxtil. Cada um dos membros do clã tem o seu papel definido e nadaparece perturbar a paz e a união familiar. Porém, quando conhece Antonio (Edoardo Gabbriellini), um talentoso "chef" de cozinha, toda a existência de Emma se altera. Entre eles nasce uma paixão sem limites e ela descobre uma oportunidade de descobrir um novo mundo de emancipação emocional e sexual que a irá despertar para uma nova maneira de encarar a vida. Agora, para provarem o seu amor, ambos terão de encontrar, dentro de si, a coragem necessária para enfrentar a sociedade e as velhas tradições.

Trailer:

Ciclo de cinema português de animação (1ª sessão)

2010-11-19T19:26:00.006Z

Data: sábado, 20 de Novembro, 17 horas
Local: Sede do Cine Clube do Barreiro

Entrada livre

Programa da 1ª sessão do Ciclo de Cinema Português de Animação:

# Raio XYZ
realização: Joana Toste
país: Portugal
produtora: Gomtch-Gomtch
ano: 2010
duração: 5 min.

# Pássaros

realização: Filipe Abranches

país: Portugal
produtora: Animanostra
ano: 2009

duração: 7 min.

# Algo Importante

realização: João Fazenda

país: Portugal
produtora: Animanostra
ano: 2009

duração: 7 min.

# Sem Respirar

realização: Pedro Brito

país: Portugal
produtora: Animanostra
ano: 2004

duração: 8 min.

# Jantar em Lisboa

realização: André Carrilho

país: Portugal
produtora: Animais AVPL
ano: 2007

duração: 7 min.

# Diário de uma Inspectora do Livro de Records

realização: Tiago Albuquerque

país: Portugal
produtora: Animanostra
ano: 2009

duração: 12 min.

Ciclo de cinema português de animação

2010-11-15T23:26:00.023Z

Quatro sessões aos sábados à tarde,
em Novembro e Dezembro,
no espaço da sede do Cine Clube do Barreiro.

O Cine Clube do Barreiro apresenta um ciclo de cinema de animação, com um conjunto de curtas-metragens que caracterizam o panorama da produção nacional na última década. O ciclo será composto por quatro sessões, todas aos sábados à tarde, a realizar no espaço da sede do Cine Clube, no centro histórico do Barreiro.

Destacamos a presença do realizador barreirense Pedro Brito, depois da sua exposição "Traço, Linha e Pixel", em exibição este ano no AMAC, dedicada não só ao seu trabalho em animação, mas também nas áreas da banda desenhada e ilustração.

Programa:

1ª sessão - 20 de Novembro

2ª sessão - 27 de Novembro

3ª sessão - 4 de Dezembro

4ª sessão - 11 de Dezembro

(sempre pelas 17 horas)

Entrada livre

1ª sessão (sábado, 20 de Novembro, 17h):

# Raio XYZ (Joana Toste, 2010, 5 min.)

# Pássaros (Filipe Abranches, 2009, 7 min.)

# Algo Importante (João Fazenda, 2009, 7 min.)

# Sem Respirar (Pedro Brito, 2004, 8 min.)

# Jantar em Lisboa (André Carrilho, 2007, 10 min.)

# Diário de uma Inspectora do Livro de Records (Tiago Albuquerque, 2009, 12 min.)

2ª sessão (sábado, 27 de Novembro, 17h):
# Guisado de Galinha (Joana Toste, 2008, 5 min.)
# Todos os Passos (Nuno Amorim, 2008, 5 min.)
# A Única Vez (Nuno Amorim, 2010, 6 min.)
# Selo ou Não Sê-lo (Isabel Aboim Inglez, 2006, 9 min.)
# Vacas (Isabel Aboim Inglez, 2010, 10 min.)
# Stuart (Zepe, 2006, 11 min.)
# Viagem a Cabo Verde (José Miguel Ribeiro, 2010, 15 min.)

3ª sessão (sábado, 4 de Dezembro, 17h):
SESSÃO COM A PRESENÇA DO REALIZADOR PEDRO BRITO
# Café (João Fazenda e Alex Gozblau, 2009, 7 min.)
# Sem Dúvida... Amanhã! (Pedro Brito, 2006, 7 min.)
# História Trágica com um Final Feliz (Regina Pessoa, 2005, 8 min.)
# Os Olhos do Farol (Pedro Serrazina, 2010, 15 min.)
# A Suspeita (José Miguel Ribeiro, 1999, 25 min.)

4ª sessão (sábado, 11 de Dezembro, 17h):
# A Noite (Regina Pessoa, 1999, 7 min.)
# Taxi! (Isabel Aboim Inglez, 2002, 8 min.)
# No Ponto Mais Alto da Lua (Marina Palácio, 2007, 9 min.)
# A Noiva do Gigante (Nuno Amorim, 2007, 9 min.)
# Mi Vida En Tus Manos (Nuno Beato, 2010, 15 min.)
# Passeio de Domingo (José Miguel Ribeiro, 2009, 20 min.)

Apoios:

Animanostra; Agência da Curta Metragem; Filmógrafo; e Instituto do Cinema e do Audiovisual

Local:

Sede do Cine Clube do Barreiro

Rua Almirante Reis, 111

(no Largo Casal, junto aos Penicheiros)

Vencer - Marcho Bellochio (12 de Novembro, AMAC, 21h30)

2010-11-06T12:43:00.006Z

Ficha Técnica

Título: Vencer
Título original: Vincere
Realização: Marco Bellochio
País: Itália
Género: Drama
Ano: 2009
Estreia em Portugal: 27 de Maio de 2010
Duração: 120 min.
Intérpretes: Giovanna Mezzogiorno, Filippo Timi, Corrado Invernizzi, Fabrizio Costella, Michela Cescon
Site oficial: http://www.atalantafilmes.pt/novosite/ficha.asp?FilmeID=1317

Sinopse:

Há um segredo na vida de Benito Mussolini: uma mulher e o seu filho, primeiro reconhecido e depois denegado. Ela é Ida Dalser, outrora sua amante, que vendeu tudo pela ascensão do homem que amava. Mas no cume da euforia fascista, o regime de Mussolini empenha-se em eliminar cada vestígio da sua existência.

Separados à força, Ida Dalser e o seu filho Benito Albino Mussolini viveram os últimos anos num manicómio sob uma violenta enclausura. Esta é uma página sombria ignorada pela biografia oficial do Duce.

Trailer:

4 Copas - Manuel Mozos (6 de Novembro, Sede, 17h)

2010-11-04T00:40:00.008Z

Ficha Técnica

Título: 4 Copas
Realização: Manuel Mozos
Género: Ficção, Drama
Ano: 2008
País: Portugal
Duração: 105 min.
Intérpretes: Rita Martins, João Lagarto, Margarida Marinho, Filipe Duarte, Nuno Viriato, Diana Costa e Silva

Sinopse:

Diana, a entrar na idade adulta, vive com o seu pai, Gabriel, e Madalena, a madrasta. Um dia descobre que a última mantém uma relação com outro homem e recomeçou a jogar. É nesta altura que decide intervir, aproximando-se do amante de Madalena, para salvar o casamento do seu pai. Mas acaba por descobrir o amor...

Trailer:

Ruínas - Manuel Mozos (5 de Novembro, Sede, 21h30)

2010-11-04T00:22:00.010Z

Ficha Técnica

Título: Ruínas
Realização: Manuel Mozos
Género: Documentário
Ano: 2009
País: Portugal
Duração: 60 min.
Site oficial: http://www.osomeafuria.com/films/3/9/

Sinopse:

Fragmentos de espaços e tempos, restos de épocas e locais onde apenas habitam memórias e fantasmas. Vestígios de coisas sobre as quais o tempo, os elementos, a natureza, e a própria acção humana modificaram e modificam. Com o tempo tudo deixa de ser transformando-se eventualmente numa outra coisa. Lugares que deixaram de fazer sentido, de serem necessários, de estar na moda. Lugares esquecidos, obsoletos, inóspitos, vazios. Não interessa aqui explicar porque foram criados e existiram, nem as razões porque se abandonaram ou foram transformados. Apenas se promove uma ideia, talvez poética, sobre algo que foi e é parte da(s) história(s) deste País.

Comentário:

O cineasta Manuel Mozos filmou edifícios em decadência e ofereceu-lhes histórias. Nesse cruzamento de imagens e de textos fala-se, em Ruínas, de um país mais de misérias do que de grandezas. Isto é Portugal. "De grandes esperanças mas, ao mesmo tempo, de uma certa mesquinhez, uma coisa de remediado".

Trailer:

Aniki In Da House - Tiago Pereira (30 de Outubro, Sede, 21h30)

2010-10-28T00:12:00.009+01:00

Ficha Técnica

Título: Aniki In Da House
Realização: Tiago Pereira
Ano: 2008
País: Portugal
Género: documentário
Duração: 52 min.
Site oficial de Tiago Pereira: http://vimeo.com/tiagopereira

Sobre o filme:

Aniki In Da House é um filme original do realizador Tiago Pereira, que documenta o processo criativo de um espectáculo transdisciplinar que acrescenta de forma inovadora uma perspectiva contemporânea ao filme Aniki-bóbó, realizado por Manoel de Oliveira em 1942. Para além disso, Tiago Pereira mergulha na cidade do Porto do século XXI, criando um diálogo singular entre o passado e presente, e descobre o impacto que o filme do célebre realizador tem ainda hoje nesta cidade, ao verificar a tendência de alguns portuenses se apropriarem, num inesperado fenómeno de identificação, das personagens principais do mítico filme.

A convite do Serviço Educativo da Casa da Música, no Porto, o violoncelista Ernst Reijseger juntou-se ao coreógrafo António Tavares e ao videasta e realizador Tiago Pereira para criar o espectáculo multimédia Aniki-Bóbó Segue o Seu Caminho, apresentado em Julho de 2008 na Sala Suggia da Casa da Música. Tendo em vista a participação activa na vida cultural da cidade, a preparação do espectáculo teve uma duração de 6 meses e consistiu no desenvolvimento de workshops e sessões de música e dança que envolveram várias crianças e jovens da cidade do Porto, num total de 150 participantes.

Aniki In Da House é um vertiginoso produto da maturidade artística do realizador Tiago Pereira, que através do meio audiovisual exprime de forma única o seu compromisso ético para com os sujeitos da sua obra e os seus espectadores. O carácter documental deste filme supõe uma reflexão sobre a linguagem visual contemporânea na expectativa de contribuir para uma compreensão do papel do cinema no amadurecimento da sociedade portuguesa. Aniki In Da House é uma comovente homenagem ao realizador Manoel de Oliveira, à sua obra e em especial ao cinema português.

Este documentário foi comissariado pelo Serviço Educativo da Casa da Música, no âmbito das Comemorações dos Cem Anos do Realizador Manoel de Oliveira, e a sua ante-estreia teve lugar a Novembro de 2009 na Cinemateca Portuguesa.

Trailer:

XIX Encontro Nacional de Cineclubes (29 a 31 de Outubro)

2010-10-24T22:21:00.010+01:00

Federação Portuguesa de Cineclubes e o Cineclube do Barreiro organizam o XIX Encontro Nacional de Cineclubes, no fim-de-semana de 29 a 31 de Outubro.

(clicar na imagem para aumentar)

SEXTA-FEIRA, DIA 29 DE OUTUBRO
- Jantar de Recepção
- Sugestões fora do programa do Encontro: Mês da Música (CMB) - Concerto de Orgão Igreja N.S.Rosário (21h30) ou bar Be Jazz

SÁBADO, DIA 30 DE OUTUBRO
- Manhã livre
- 12h30 Almoço
- 14h00 Assembleia Geral Eleitoral
- 17h00 Debate Cineclubista
- 20h00 Jantar- 21h30 " Aniki In Da House" de Tiago Pereira, com a presença do realizador e posterior conversa

DOMINGO, DIA 31 DE OUTUBRO
- Manhã - visita à Mata Nacional da Machada e Sapal do rio Coina
- 12h30 Almoço
- 14h30 Exibição de filmes de Joaquim Pinto ("Surfavela" e "Para Cá dos Montes") com a presença do realizador e posterior conversa
- 17h00 Encerramento

Inscrições abertas para os dirigentes cineclubistas.

Contactos:
cineclubebarreiro@gmail.com
fpcc@fpcc.pt

OUT.FEST - Dor, Low is Better (13 de Outubro, com a presença do realizador)

2010-10-13T01:58:00.003+01:00

Filme:
DOR, LOW IS BETTER (1988)

Realização: Robert Flaes, Maarten Rens.
Produção: University of Amsterdam, Dept. of Visual Anthropology

Uma aproximação experimental na comparação entre instrumentos musicais de contextos distintos. Robert Flaes apresenta aos monges de um mosteiro tibetano dois instrumentos exteriormente semelhantes àquele que usam nas cerimónias rituais, que trouxe da Suíça e da Alemanha. Fazendo parte da vida monástica, a flauta acentua os sons graves, evocando o permanente e o profundo, ao invés dos sons agudos, que apelam ao momentâneo e supérfluo, de acordo com os monges.

Com a presença do realizador Robert Flaes.

Data e local:
13 de Outubro, 21h30, Cooperativa Cultural Popular Barreirense,
Rua Miguel Bombarda, nº.46C

Informações:
http://www.outfest.pt.vu/
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A Costa dos Murmúrios - Margarida Cardoso (13 de Outubro, Audit. Munic. Augusto Cabrita, 15h00)

2010-10-10T22:48:00.004+01:00

Ficha Técnica

Título: A Costa dos Murmúrios
Realização: Margarida Cardoso
Adaptação do romance de: Lídia Jorge
Ano: 2004
País: Portugal
Duração: 120 min.
Intérpretes: Beatriz Batarda, Filipe Duarte, Mónica Calle, Adriano Luz, Luís Sarmento
Site oficial: www.atalantafilmes.pt/2004/acostadosmurmurios/

Sinopse:

No final dos anos 60, Evita (Beatriz Batarda) chega a Moçambique para casar com Luís (Filipe Duarte), um estudante de matemática que ali cumpre o serviço militar. Evita rapidamente se apercebe que Luís já não é o mesmo e que, perturbado pela guerra, se transformou num triste imitador do seu capitão, Forza Leal (Adriano Luz).

Os homens partem para uma grande operação militar no norte. Evita fica sozinha e, no desespero de tentar compreender o que modificou Luís, procura a companhia de Helena, a mulher de Forza Leal. Submissa e humilhada, Helena (Mónica Calle) é prisioneira na sua casa onde cumpre uma promessa. É ela quem revela o lado negro de Luís…

Perdida num mundo que não é o seu, Evita apercebe-se da violência de um tempo colonial à beira do fim.Um tempo de guerra, de perda e de culpa.

Excerto:

Programação de cinema - OUT.FEST 2010

2010-09-29T23:43:00.004+01:00

Programação Cine Clube do Barreiro no âmbito do

VII OUT.FEST - Festival Internacional de Música Exploratória do Barreiro

5 a 16 Outubro
Barreiro, vários locais

http://www.outfest.pt.vu/

6 OUTUBRO (quarta-feira)
TEATRO MUNICIPAL – 21h30
cinema: ALAN LOMAX 1: The land where the blues began
música: NORBERTO LOBO

7 OUTUBRO (quinta-feira)
COOPERATIVA CULTURAL POPULAR BARREIRENSE – 21h30
cinema: ALAN LOMAX 2 e 3: Jazz parades / Cajun country

11 OUTUBRO (segunda-feira)
COOPERATIVA CULTURAL POPULAR BARREIRENSE – 21h30
cinema: ALAN LOMAX 4 e 5: Appalachian journey / Dreams and songs of the noble old

12 OUTUBRO (terça-feira)
CLUBE NAVAL BARREIRENSE – 21h30
cinema: BÉNARES: MUSIQUES DU GANGES (1992) de YVES BILLON
música: STELLAR OM SOURCE

13 OUTUBRO (quarta-feira)
COOPERATIVA CULTURAL POPULAR BARREIRENSE – 21h30
cinema: DOR, LOW IS BETTER (1988) de ROBERT FLAES & MAARTEN RENS
(com a presença do realizador)

Entre 5 e 16 OUTUBRO
FÓRUM BARREIRO – 10h às 23h
cinema: CINECUBO

OUT.FEST - Alan Lomax: American Patchwork (6 a 11 de Outubro)

2010-09-29T23:39:00.006+01:00

Título da série de documentários:
ALAN LOMAX: AMERICAN PATCHWORKS

Realização: Alan Lomax

Filho do pioneiro da folk John A. Lomax, com que iniciou a sua carreira cantando as músicas dos prisioneiros e trabalhadores dos campos de algodão negros do Mississipi, Alan Lomax (1915-2002) é hoje reconhecido como um dos mais conceituados etnomusicólogos do século XX. Responsável por centenas de recolhas em locais tão díspares quanto os Estados Unidos, Itália, Caraíbas, Grã-Bretanha ou Espanha, Lomax introduziu ao público ocidental músicas ancestrais como o gospel ou o calypso, que sem a sua perseverança se teriam perdido irremediavelmente. Autor de dezenas de livros tão marcantes como ‘Folk Song Style’ ou ‘Culture on American Folksong and Folklore : A Regional Biography’, hoje referências incontornáveis no mundo da etnomusicologia, Lomax procedeu a uma documentação exaustiva de todo um mundo musical afastado dos olhares mediáticos, mas essencial à construção da identidade cultural de um país. Não se restringindo a estes suportes, Lomax foi também responsável pela recolha de imagens de muitos dos músicos que deu a conhecer (como Leadbelly ou Bukka White) em filmes documentais de um valor histórico incomensurável. Devem-se-lhe obras tão essenciais como ‘Music from Newport’ (1966), ‘Oss! Oss! We Oss! – May Day in Padstow’ (1951) ou ‘Folk Music of Britain’ (produzido para a BBC em 1952), que culminariam em ‘Rhythms of the Earth : The Movement Style and Culture Series’, série composta por quatro filmes gravados ao longo de dez anos (1976-1986), que ilustram o seu trabalho pioneiro no campo das Choreometrics, um método de estudo comparativo entre a dança e a geografia humana. Transcendendo todas as barreiras culturais, linguísticas e geográficas, o trabalho de Alan Lomax é a verdadeira essência daquilo que em comunicação se designa por “Aldeia Global”.

Filmes, datas e locais:

#1
The land where the blues began [1979]
(6 de Outubro, Teatro Municipal, 21h30;em seguida, concerto de Norberto Lobo)

#2-3
Jazz parades: feet don't fail me now / Cajun country [1990/1991]
(7 de Outubro, Cooperativa Cultural Popular Barreirense, 21h30)

#4-5
Appalachian journey / Dreams and songs of the noble old [1991]
(11 de Outubro, Cooperativa Cultural Popular Barreirense, 21h30)

Mais informações sobre os filmes:
# http://www.folkstreams.net/filmmaker,121
# http://www.culturalequity.org/

Informações sobre o festival:
http://www.outfest.pt.vu/
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OUT.FEST - Bénares: Musiques du Ganges (12 de Outubro)

2010-09-29T23:26:00.006+01:00

Filme:
BÉNARES: MUSIQUES DU GANGES (1992)

Realização: Yves Billon.
Produção: Les Films du Village

Benares encontra-se no estado de Uttar Pradesh, a norte do subcontinente indiano. Construída à beira do Ganges (rio sagrado dos hindus), é destino de peregrinação diária, albergando uma enorme comunidade muçulmana. A tensão resultante das diferenças entre os dois credos é, no entanto, esbatida pela música. Essa música nasceu precisamente da fusão entre a actividade musical hindu (onde o som é uma ramificação de Brahma) e muçulmana (como forma de contacto com Deus) e tem o nome de Raga. Mais do que um género musical, o raga surge imbuído de uma espiritualidade transcendental. Pela cidade, o raga imiscuí-se por entre outras músicas, fazendo de Benares a Ville de la Musique, onde a música, como as águas do rio, purifica a alma.

Data e local:
12 de Outubro, Clube Naval Barreirense (21h30)

Em seguida, concerto de Stellar Om Source.

Informações:
http://www.outfest.pt.vu/
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Cinerama - Inês Oliveira (17 de Setembro, Audit. Munic. Augusto Cabrita, 21h30)

2010-09-11T16:34:00.005+01:00

Ficha Técnica

Título: Cinerama
Realização: Inês Oliveira
Ano: 2010
País: Portugal
Duração: 93 min.
Intérpretes: Diogo Dória, Sofia Marques, Ricardo Aibéo, António Fonseca, Meirinho Mendes, António Poppe
Site oficial: http://www.cinerama-filme.com/

Sinopse:

Humberto enforcou-se. Catarina, Paulo e Victor querem que a empresa onde Humberto trabalhava reconheça a sua responsabilidade na morte dele. Raptam o director da empresa num gesto desesperado e vão. Quem é Humberto? Que empresa é aquela? Por que caminhos nos leva ele, depois de morto?

Cinerama é um filme arrojado, enigmático mas não distante, que convoca géneros de cinema e bem como outras artes (dança, teatro, poesia). O filme reflecte formas de estar no mundo, hoje.

Trailer:

A Velha Raposa - Henry Hathaway (17 de Setembro, Pq. Catarina Eufémia, 21h30)

2010-09-11T16:17:00.006+01:00

Ficha Técnica

Título: A Velha Raposa
Título original: True Grit
Realização: Henry Hathaway
Ano: 1969
País: E.U.A.
Duração: 123 min.
Género: Western
Intérpretes: John Wayne, Glen Campbell, Kim Darby, Robert Duvall, Strother Martin
Site: IMDb

Sinopse e comentário:

Rooster Cogburn (John Wayne) é um alcoólico, grosseiro, conflituoso mas corajoso Xerife cego de um olho, contratado por uma obstinada rapariga (Kim Darby) para tentar encontrar o homem que assassinou o seu pai e fugiu com todas as poupanças da família.
Quando o chefe de Cogburn insiste em acompanhar o velho pistoleiro, voam faíscas em todas as direcções. A situação vai de mal a pior quando o inexperiente mas entusiasta Ranger do Texas (Glen Campbell) se junta à festa.

(Charles Portis e John Wayne, durante as filmagens)

Trailer:

Os 7 Magníficos - John Sturges (10 de Setembro, Pq. Catarina Eufémia, 21h30)

2010-08-29T18:42:00.007+01:00

Ficha Técnica

Título: Os 7 Magníficos
Título original: The Magnificent Seven

Realização: John Sturges

Ano: 1960

País: E.U.A.

Duração: 126 min.

Género: Western

Intérpretes: Yul Brynner, Eli Wallach, Steve McQueen, Charles Bronson, Robert Vaughn
Site: IMDb

Sinopse e comentário:

Quando uma pacata aldeia mexicana é aterrorizada por Calvera e os seus saqueadores, apenas os Sete Magníficos têm a audácia, a coragem e o poder de fogo para o enfrentar.
Os aldeões não têm armas, dinheiro ou um pingo de violência em si. Viajam para a fronteira onde conhecem Chris (Yul Brynner) e Vin (Steeve McQueen), dois pistoleiros desempregados que se unem a cinco fora-da-lei para o combate. Agora, os Sete estão prontos para o combate e não o fazem pelo dinheiro, mas pela aventura.
Inicialmente, a vitória aparenta estar assegurada, mas Calvera volta ao ataque, numa onda de violência sem precedentes. Apenas os Sete Magníficos estão entre os malfeitores e a vila, encabeçando uma batalha brutal que torna este filme como num dos maiores clássicos da história do cinema.

Trailer:

Os 3 Padrinhos - John Ford (27 de Agosto, Pq.Catarina Eufémia, 21h30)

2010-08-21T14:46:00.005+01:00

Ficha Técnica

Título: Os 3 Padrinhos
Título original: 3 Godfathers

Realização: John Ford

Ano: 1948

País: E.U.A.

Duração: 101 min.

Género: Western

Intérpretes: John Wayne, Pedro Armendariz, Harry Carey Junior
Site: IMDb

Sinopse e comentário:

Robert (John Wayne), William (Harry Carey Jr.) e Pedro (Pedro Armendariz), três assaltantes de bancos em fuga, encontram-se à beira de uma campa no deserto. Acabam de enterrar uma mulher, mas manter a promessa que lhe fizeram - cuidar do seu filho recém-nascido - vai aniquilar as suas hipóteses de fuga. Mas eles são homens de honra, e nunca abandonariam o pequeno Robert William Pedro.

O mestre do Western, John Ford reinterpreta a história bíblica dos Três Reis Magos num filme que permanece uma obra-prima, repleta de interpretações e imagens inesquecíveis. Ford enriquece a sua palete graças à direcção de fotografia magistral de Winton Huch, que conquistaria dois dos seus três Óscares por colaborações com Ford. Mais uma vez o realizador mostra-nos que até os homens mais dissolutos podem seguir a sua estrela interior até à redenção final.

Trailer:

O Bom, o Mau e o Vilão - Sergio Leone (20 de Agosto, Pq. Catarina Eufémia, 21h30)

2010-08-16T18:04:00.006+01:00

Ficha Técnica

Título: O Bom, o Mau e o Vilão
Título original: Il Buono, il Brutto, il Cattivo
Título em inglês: The Good,the Bad and the Ugly

Realização: Sergio Leone

Ano: 1966

País: Itália, Espanha, Alemanha

Duração: 171 min.

Género: Western

Intérpretes: Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Eli Wallach, Aldo Giuffre, Mario Brega
Site: IMDb

Sinopse e comentário:

O mais ambicioso e esteticamente forte western spaghetti, com uma influência visual, nunca antes vistos num western.

Clint Eastwood regressa no papel do invencível "Homem Sem Nome", desta vez num bando com mais dois pistoleiros (Lee Van Cleef e Eli Wallach) que procuram uma fortuna em ouro roubado. Mas o espírito de equipa não é o que move estes fora-da-lei de convicções fortes, e eles depressa descobrem que o seu maior desafio vai ser manterem-se atentos - e vivos.

Esta complexa trama de sangue e traição atravessa os campos da Guerra Civil Americana para terminar numa das mais famosas cenas de westerns: a Dança da Morte. Considerado a quinta-essência do Western Italiano, traz-nos ainda uma fabulosa banda sonora de Ennio Morricone.

(Leone e Eastwood, durante as filmagens; fotografia de Angelo Novi)

Excerto inicial do filme:

Por Mais Alguns Dólares - Sergio Leone (13 de Agosto, Parque Catarina Eufémia, 21h30)

2010-08-08T22:58:00.005+01:00

Ficha Técnica

Título: Por Mais Alguns Dólares
Título Original: Per Qualche Dollaro in Piú

Realização: Sergio Leone

Ano: 1965

País: Itália, Espanha, Alemanha

Duração: 126 min.

Género: Western

Intérpretes: Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Gian Maria Volonté, Mara Krupp
Site: IMDb

Sinopse e comentário:

Depois de «Por Um Punhado de Dólares», Clint Eastwood continua no seu papel emblemático como o lendário "Homem Sem Nome". Com um soberbo argumento de Luciano Vincenzoni e uma assombrosa banda sonora de Ennio Morricone, «Por Mais Alguns Dólares» é um clássico moderno - um dos melhores westerns alguma vez realizados.

Eastwood é um perspicaz e astuto caçador de prémios na perseguição sangrenta de Indio, o mais tenebroso e ameaçador criminoso do território. Mas o seu impiedoso rival, o Coronel Mortimer (Lee Van Cleef) está determinado a ser o primeiro a capturar Indio... morto ou vivo!

Famoso pelo arsenal de armas utilizado, e que se tornou uma influência nos westerns seguintes, este filme alia a realização violenta e operática de Sergio Leone à atmosfera musical de Ennio Morricone, mantendo a tensão constante durante toda a acção, em especial nas espectaculares cenas de tiroteio.

Imperdoável - Clint Eastwood (6 de Agosto, Parque Catarina Eufémia, 21h30)

2010-07-31T12:15:00.003+01:00

Ficha Técnica

Título: Imperdoável
Título Original: Unforgiven

Realização: Clint Eastwood

Ano: 1992
Estreia em Portugal: 16 de Outubro de 1992

País: E.U.A.

Duração: 126 min.

Género: Western

Intérpretes: Clint Eastwood, Gene Hackman, Morgan Freeman, Richard Harris
Site: IMDb

Sinopse:

Clint Eastwood e Morgan Freeman interpretam dois foras-da-lei reformados que pegam nas armas uma última vez, para partir à caça de um homem. Richard Harris é um mal-aventurado assassino contratado. E Hackman é um homem da lei, surpreendentemente charmoso… e brutal.
Clássico moderno que “resume tudo o que sinto acerca do western”, nas palavras do próprio Clint Eastwood, realizador e actor principal, numa entrevista ao Los Angeles Times.

Excerto do filme:

Duelo ao Sol - King Vidor (30 de Julho, Parque Catarina Eufémia, 21h30)

2010-07-26T20:40:00.003+01:00

Ficha Técnica

Título: Duelo ao Sol
Título Original: Duel in the Sun
Realização: King Vidor
Produção: David O. Selznick
Ano: 1946
País: E.U.A.
Duração: 129 min.
Género: Western
Classificação: M/12
Intérpretes: Jennifer Jones, Joseph Cotten, Gregory Peck, Lillian Gish, Lionel Barrymore
Site: IMDb

Sinopse:

Perla, uma mestiça orfã, filha de uma índia e de um aventureiro muda-se para o rancho de Laura Belle, uma mulher com quem o seu pai vivera há alguns anos, uma aventura romântica.
A chegada da atractiva jovem ao rancho fará com que os dois irmãos McAndles, de carácteres absolutamente opostos, se enfrentem numa luta de morte pelo seu amor.

A Noite dos Parque Vivos - alterações ao programa

2010-07-26T20:21:00.003+01:00

O Cine Clube do Barreiro decidiu efectuar algumas alterações ao programa do ciclo de cinema de westerns "A Noite dos Parques Vivos".

As alterações resumem-se apenas à troca de 3 filmes no mês de Agosto, com destaque para os restantes filmes da trilogia de Sergio Leone, iniciado com Por Um Punhado de Dólares.

Assim, em vez de serem projectados os filmes Os Indescritíveis (Andrew McLaglen), O Homem do Oeste (Anthony Mann), e Jesse James (Nicholas Ray), serão apresentados em alternativa os seguintes:

06 de Agosto - IMPERDOÁVEL (Clint Eastwood, 1992)

13 de Agosto - POR MAIS ALGUNS DÓLARES (Sergio Leone, 1965)

20 de Agosto - O BOM, O MAU E O VILÃO (Sergio Leone, 1966).

O restante programa mantém-se inalterado.

Sempre pelas 21h30, no Parque Catarina Eufémia.

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Por um punhado de euros

2010-07-26T20:17:00.001+01:00

Na passada semana, algum cowboy solitário (ou talvez um bando de pistoleiros) tentou assaltar a casa de apoio às actividades lúdicas no Parque Catarina Eufémia, tudo... por um punhado de dólares, ou melhor dizendo, por um punhado de euros.

No seguimento deste episódio, completamente alheio ao Cine Clube do Barreiro, não nos foi possível aceder ao equipamento necessário para a projecção agendada do spaghetti western POR UM PUNHADO DE DÓLARES ao ar livre. Desta forma, e totalmente em cima do acontecimento, tivemos de recorrer à solução alternativa de projectar o filme na nossa sede.

O Cine Clube do Barreiro lamenta o sucedido e pede desculpas pelo incómodo causado a todos os que se deslocaram ao Parque Catarina Eufémia para mais uma noite de cinema ao ar livre.

Reiteramos no entanto o nosso desejo de que ataques a diligências, emboscadas e duelos de pistoleiros se circunscrevam apenas às telas de cinema, como num bom velho western, todas as sextas-feiras deste Verão, no centro do Parque Catarina Eufémia.

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Por Um Punhado de Dólares - Sergio Leone (23 de Julho, Parque Catarina Eufémia, 21h30)

2010-07-20T23:04:00.005+01:00

Ficha Técnica

Título: Por um Punhado de Dólares
Título Original: Per un Pugno di Dollari
Realização: Sergio Leone
Ano: 1964
Países: Itália, Espanha, Alemanha
Língua original: Italiano
1ª estreia: 12 de Setembro de 1964 (Itália)
Estreia nos E.U.A.: 18 de Janeiro de 1967
Duração: 95 min.
Género: Western
Classificação: M/12
Música: Ennio Morricone
Intérpretes: Clint Eastwood, Marianne Koch, Gian Maria Volontè, Wolfgang Lukschy e Sieghardt Rupp
Site: IMDb

Exibição:

versão audio original (em italiano), com legendas em português

Sinopse:

Um estrangeiro solitário (um homem sem nome) chega a uma pequena cidade do oeste e encontra-a dividida ao meio por duas famílias de bandidos, os Rojo e os Baxter.
Com o objectivo de enriquecer, propõe os seus serviços de pistoleiro a ambas as famílias, lançando uma contra a outra e beneficiando com a disputa.
Um western pleno de acção, cobiça, orgulho e vingança.

Comentário:

Com este filme, o realizador italiano Sergio Leone relançou o género western, em plena década de 60, tornando-se assim um nome incontornável do spaghetti western.
Com uma extraordinária banda-sonora, a cargo de Ennio Morricone, Por Um Punhado de Dólares foi o primeiro filme da trilogia à volta da personagem interpretada por Clint Eastwood, , que se completou com: Por Mais Alguns Dólares (1965) e O Bom, o Mau e o Vilão (1966), todos filmados em Espanha.

Excerto do filme:

Imperdoável

2010-07-17T11:51:00.008+01:00

O filme Imperdoável não pôde ser projectado no passado dia 16 de Julho por motivos técnicos, pelo qual o Cine Clube do Barreiro apresenta desculpa.

REPOSIÇÃO
Este filme será reposto no dia 6 de Agosto, pelas 21h30, no Parque Catarina Eufémia.

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Rio Bravo - Howard Hawks (9 de Julho, 21h30, Parque Catarina Eufémia)

2010-07-03T17:09:00.010+01:00

Ficha Técnica

Título Original: Rio Bravo
Realização: Howard Hawks
Ano: 1959
Estreia em Portugal: 30 de Outubro de 1959
País: E.U.A.
Duração: 136 min.
Género: Western
Classificação: M/12
Intérpretes: John Wayne, Dean Martin, Ricky Nelson, Angie Dickinson

Sinopse:

De um lado está um exército de pistoleiros determinados em tirar da cadeia um assassino do seu grupo. Do outro está o Xerife John T. Chance e os seus dois ajudantes: um é um bêbado, o outro um aleijado. Faça as suas apostas.

John Wayne é Chance em Rio Bravo, um clássico do Western com duros heróis e emoções fortes à solta. Ele está acompanhado por Dean Martin como o ajudante bêbado, Walter Brennan como o velho tonto cuja boa disposição compensa o facto de ser coxo, Ricky Nelson como o jovem que se quer provar a si próprio e Angie Dickinson como a mulher da vida com um fraco por Chance. O realizador Howard Hawks elevara o Western a um novo patamar com Rio Vermelho. Capturando o Oeste lendário com um elenco de estrelas no auge da forma, Hawks volta a consegui-lo aqui.

Excerto do filme:

A Noite dos Parques Vivos

2010-07-03T13:24:00.022+01:00

O Cine Clube do Barreiro,
em parceria com a Câmara Municipal,
apresenta

"A Noite dos Parques Vivos"

Ciclo de cinema de westerns

De Julho a Setembro, todas as 6as feiras,

no Parque Catarina Eufémia, pelas 21h30.

Sessões gratuitas ao ar livre.

Programa:

9 de Julho - RIO BRAVO (Howard Hawks, 1959)

23 de Julho - POR UM PUNHADO DE DÓLARES (Sergio Leone, 1964)

30 de Julho - DUELO AO SOL (King Vidor, 1946)

6 de Agosto - IMPERDOÁVEL (Clint Eastwood, 1992) [nova data]

13 de Agosto - POR MAIS ALGUNS DÓLARES (Sergio Leone, 1965) [nova data]

20 de Agosto - O BOM, O MAU E O VILÃO (Sergio Leone, 1966) [nova data]

27 de Agosto - OS 3 PADRINHOS (John Ford, 1948)

10 de Setembro - OS 7 MAGNÍFICOS (John Sturges, 1960)

17 de Setembro - A VELHA RAPOSA (Henry Hathaway, 1969)

Nota:
Ao contrário do indicado no programa "Parques Vivos 2010" da C.M.B., todas as sessões serão realizadas no Parque Catarina Eufémia.

(clique na imagem para aumentar)
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Um Profeta - Jacques Audiard (9 de Julho, 21h30, AMAC)

2010-06-29T00:08:00.006+01:00

Ficha Técnica

Título Original: Un prophète

Realização: Jacques Audiard

Ano: 2009

País: França e Itália

Duração: 150 min.

Género: Drama, Crime

Classificação: M/16

Site oficial: www.un-prophete-lefilm.com

Sinopse:

Condenado a seis anos de prisão, Malik El Djebena não é capaz de ler nem de escrever. Ao chegar à prisão aparenta ser mais novo e mais frágil do que os outros reclusos. Tem 19 anos. Rapidamente cai no enredo de um gang de prisioneiros Corsas, que faz prevalecer a sua lei dentro da prisão. O jovem aprende depressa. No decurso das suas "missões", fortalece-se e ganha a confiança dos elementos do grupo. Mais depressa ainda, Malik usa toda a sua inteligência para desenvolver discretamente o seu plano.

Trailer oficial:

Alteração à programação - 25 de Junho

2010-06-24T00:50:00.003+01:00

O filme "O Laço Branco" (de Michael Haneke), previamente programado para o AMAC, passará a ser projectado no mesmo dia, pelas 22 horas, na sede do Cine Clube.

Significado - Tiago Pereira (26 de Junho, 21h30, sede do Cine Clube)

2010-06-20T20:45:00.008+01:00

Projecção na sede do Cine Clube,
com a presença do realizador.

Ficha Técnica

Título Original: Significado, A Música Portuguesa se Gostasse dela Própria
Realização, Imagem e Montagem: Tiago Pereira
Som: Eduardo Vinhas
Produção: d’Orfeu Associação Cultura
Ano: 2010
País: Portugal
Duração: 42 min.
Género: Documentário
Classificação: M/12
Com: Artur Fernandes, Carlos Guerreiro, Domingos Morais, Joana Vasconcelos, Jorge Cruz, Julio Pereira, Luis Fernandes, Rogerio Fernandes, Vitor Rua
Site oficial: http://vimeo.com/tiagopereira

Sinopse:

Significado, A Música Portuguesa se Gostasse dela Própria: Um documentário que constrói uma génese da música tradicional portuguesa que se alarga a vários contextos musicais, questionando ainda o papel da tradição na música contemporânea na forma da seguinte pergunta: como seria a música portuguesa se gostasse dela própria?

Sobre o filme:

Com "Significado", [Tiago Pereira] monta um caleidoscópio de gentes e de suas práticas na abordagem ao tradicional para chegar a isto: "Tradição de futuro. Para mim, isso é que é importante. Ter o passado, o que é agora e o que vai ser, como na banda desenhado do Alan Moore em que todos os tempos se encontram num vértice. É essa noção que quero nos [meus] filmes".
Temos então os irmãos Fernandes, temos etnógrafos e musicólogos, a artista plástica Joana Vasconcelos, os Diabo na Cruz e o músico Vítor Rua. Temos Carlos Guerreiro, dos Gaiteiros de Lisboa, ou Júlio Pereira, pai de Tiago, e, com eles, uma genealogia da descoberta e apropriação da música tradicional desde a década de 1970. Temos o Megafone de João Aguardela e a sua dança samplada das recolhas de Michel Giacometti e José Alberto Sardinha. E os Dazkarieh que com instrumentos tradicionais e atitude rock põem metaleiros do Barreiro todos no "mosh", um Ricardo Lameiro que, com tecnologia moderna, transporta o fagote para novas dimensões, e, claro, a Banda do Casaco que, recuperando palavras de um dos fundadores, Nuno Rodrigues, em "Significado", andou nos anos 1970 e inícios de 1980 a pensar a tradição rural para "gajos que eram de Lisboa e Cascais" e a resgatar Ti Chitas a Penha Garcia para "pôr um botox nas berças". Tiago Pereira não escolhe ninguém, não aponta um caminho. "No 'Significado', interessava ver todo o tipo de práticas contemporâneas que existem na música tradicional. Não me interessa criar a narrativa de um filme, interessa-me o conceito de dar esta informação toda, lançar os ses e as interrogações". Conclui: "Não é para eu escolher, é para as pessoas irem por onde quiserem".

excerto de artigo publicado no Ípsilon (25-04-2010)

Trailer oficial:

O Laço Branco - Michael Haneke (25 de Junho, 22h, NOVO LOCAL: Sede

2010-06-20T19:43:00.026+01:00

NOVO LOCAL: Projecção a realizar na Sede do Cine Clube, pelas 22 horas

Ficha Técnica

Título Original: Das weisse Band
Realizador: Michael Haneke
Ano: 2009
País: Áustria, Alemanha, França, Itália
Duração: 144 min.
Género: Drama
Classificação: M/16
Site oficial: http://dasweisseband.x-verleih.de/

Sinopse:

Uma aldeia protestante da Alemanha do Norte. 1913/194. Em vésperas da primeira guerra mundial. Uma história de crianças e adolescentes pertencentes a um coro liderado pelo professor da aldeia, e suas famílias: o Barão, o gerente, o pastor, o médico, a parteira, camponeses. Acidentes estranhos acontecem e, gradualmente, assumem o carácter de uma punição ritual. Quem está por de trás de tudo isso?

Crítica:

"Eles estão no meio de nós"

Existem fantasmas - que não fazem aparições. Existem criminosos - que nunca se mostram. Existe violência, e sentimo-la germinar, silenciosamente, atrás das portas, em cada canto, em cada lar... O Laço Branco, a obra-prima de Michael Haneke, é austera, opressiva, brutal .

Há um lugar na mancha das frases inolvidáveis, de cujo nome não consigo lembrar-me (talvez num livro, talvez num filme...), que diz qualquer coisa como isto: as pessoas esquecem o que fizeste, esquecem o que disseste, mas jamais esquecem como as fizeste sentir. A ferida cicatriza, a dor apaga-se, a ofensa prescreve, a nódoa negra some-se. A humilhação permanece... E pode ficar durante anos soterrada, armazenada, acondicionada numa bolha de contenções, sepultada por sedimentos, valados, tapumes, entulhos e fingidos olvidos, à espera de melhor ocasião. Até que, um dia, há um qualquer deslizamento de terras, e aí está ela, desobstruída, com o caminho livre. E a todos espanta, de onde pode ter surgido, de um momento para o outro, uma violência tão perversa, terrivelmente feroz, selvaticamente desumana. Quando, afinal, ela sempre esteve ali - entre nós - a engrossar as suas raízes, a sugar seivas de ressentimentos, a alimentar-se de ódios acumulados, a germinar silenciosamente num subsolo qualquer.

Há anos que a filmografia do genial realizador austríaco Michael Haneke se dedica a esta lavoura de desenterrar as raízes do mal, de colher as sementes do ódio, quando ainda estão a germinar e lançam os primeiros rebentos. Foi assim em Nada a Esconder (2005), quando uma família bem instalada na intelectualidade francesa se vê perseguida por um passado que já todos julgavam no fundo de um porão. Ou em Código Desconhecido (2000), em que o realizador antevê a explosão de ira e xenofobia na terra da Liberdade, Igualdade e Fraternidade. Até em A Pianista (2001), em que o frio e cerebral Haneke vasculha nos recantos mais sórdidos da intimidade de cada um. E sobretudo nos dois Funny Games (de 1997 e 2007), em que o realizador se propôs, com uma década de permeio, fazer um remake cena a cena (quase shot by shot) do seu germânico filme de culto. Não por puro capricho, mas por se tratar de um quase filme-ensaio sobre a mais desonerada e niilista das violências. Dessas que não se encontram aparentemente à superfície, mas emergem - não se sabe de onde, apenas se suspeita.

Funny Games, o filme em que dois jovens impecavelmente vestidos de branco, louros e extremamente bem-educados levam uma noite a torturar metódica e ritualisticamente (desta forma bem adverbiada) uma família até à morte - e fazem-no porque sim -, é talvez aquele que mais se aproxima do agora estreado O Laço Branco (Palma de Ouro, em Cannes, e Melhor Filme, Melhor Realizador e Melhor Argumento nos European Film Awards).

Ambos se passam em dealbares de séculos: os dois clones cinematográficos, o primeiro nos finais do século XX, o outro nos princípios do século XXI, e O Laço Branco, nos princípios do século XX, na placidez ordenada de um aldeia do Norte da Alemanha, antes de eclodir a Primeira Guerra Mundial. Haneke filma esta ruralidade protestante, austera e deprimida, a preto e branco, não tanto por uma questão plástica ou de virtuosismo, mas para melhor nos conectar com as fotografias da época. E para nos lembrar que todo o filme é construído em clássico flashback, narrado em voz off, 50 anos depois dos acontecimentos e duas guerras transcorridas, pelo professor da aldeia.

Meninos de coro

A aldeia flui ao ritmo das colheitas, com os seus habitantes vigiados pelos pilares inquestionáveis das hierarquias. O professor que é dono do saber. O pastor que é dono das almas. O médico que é dono da ciência. O feitor que é dono da obediência. O barão que é dono da aldeia toda. E os camponeses que não são donos de coisa nenhuma.

E, na sombra, geralmente entrevista pelas câmaras, sempre por detrás de ombreiras, portas e tapumes, está outra categoria de habitantes, a que muito poucos dão atenção, a não ser para admoestar, vergastar e atemorizar: as crianças da aldeia. Movem-se cautelosamente, sem serem ouvidas, como ratos das frestas, confraria silenciosa nos bastidores. Crianças de feições inequivocamente germânicas, louras, de olhar angelical e semblante indecifrável, e de uma expressividade enquanto actores perfeitamente notável (com destaque para Leonard Proxauf). Haneke conta que procurou crianças que se coadunassem fisicamente com as que apareciam em fotografias de época, ao longo de seis meses. Fez castings a 7 mil candidatos.

Os meninos que cantam num coro, que beijam as mãos aos pais, que não se atrevem a olhar-lhes nos olhos, que são dóceis e submissos, tomam conta do filme. Sub-repticiamente. Às vezes, quase não os vemos, mas sabemos que eles andam por ali, na sombra dos adultos dominadores, dos seus pais, sobretudo dos homens. Burgueses puritanos na aparência e na homília, monstros domésticos, capazes de uma crueldade de feras (sem querer injuriar estas últimas).

É neste clima de terror (e de total vulnerabilidade perante enraivecidos deuses celestes e terrestres) que estas crianças crescem. Exercem sobre eles o mal em nome do bem - que é sempre o mais perverso e terrível.

No Verão de 1913, narra a voz já envelhecida do professor, estranhos e trágicos acontecimentos assolaram a aldeia. Um fio invisível esticado entre duas árvores fez tropeçar o cavalo do médico, e a sua filha aproxima-se, primeiro, do cavalo. Depois, há o filho do barão barbaramente molestado até à inconsciência. Depois, uma janela aberta durante a noite leva à pneumonia um bebé recém-nascido. E, finalmente, o menino mongolóide da aldeia torturado até quase lhe furarem os olhos.

Uma tarde, os dois filhos mais velhos do pastor chegam a casa depois do anoitecer. Ninguém se parece interessar pelo motivo do atraso - "não sei o que me entristece mais, se a vossa ausência, se o vosso regresso", diz o pai -, o importante é punir exemplarmente a falta, jejum para toda a família, impiedosas e meticulosas vergastadas. A partir daí, decreta o pai e carrasco, as duas crianças passarão a usar, no braço, um laço branco que lhes recorde a pureza e a inocência da infância. Lembramo-nos que os impecáveis jovens da tortura do filme anterior de Haneke também usavam luvas enquanto torturavam. Luvas brancas, de uma pureza imaculada. O branco é uma cor virginal, neutra, mas também passiva. As crianças transportam este laço no braço como uma humilhação, sinal de submissão, como os condenados à pena de morte vinham vestidos de branco para se renderem ao destino; ou as noivas vestem de branco como sinal de pureza, mas também de sujeição. O branco tem qualquer coisa de candura mas também de nefasto, lívido, de bloco operatório a aguardar a incisão. De vampírico, ao sugar todas as cores; é luto no Oriente. Kandinsky dizia que "o branco actua sobre a nossa alma como um silêncio absoluto". Só que esse silêncio não está morto, transborda de possibilidades vivas... E é como o silêncio negro e doloroso com que Haneke abre e fecha os genéricos do filme. Sem música todo o tempo, apenas aquela que esporadicamente as personagens produzem. No salão da baronesa, no baile de final da ceifa, na pianola do professor... E, claro, as vozes purificadas e angelicais dos meninos do coro.

Homens sem qualidades

Com uma fotografia maravilhosamente austera, uma reconstituição de época extraordinária, cheia de pequenos ruídos, como os passos na neve, os rangeres de soalho, o chiar da carroça, as moscas nos casebres, além de umas composições meticulosas que fazem lembrar Dryer. Na forma crua e dura, embora muito pouco mística, como filma um cadáver de mulher da cintura para baixo, com o vulto do marido a aparecer, ou enquadra as paisagens vazias mas plenas de ventos e fantasmas, Haneke conduz o nosso olhar e a nossa inquietação, sem nunca nos dar respostas. Apenas insinuações. O realizador austríaco filma com um pudor admirável, não vemos uma cena de violência física, nem o pastor a vergastar os filhos (tudo ocorre atrás de uma porta fechada), nem o feitor a pontapear a criança contorcida no chão. Nem tão-pouco vemos as vítimas da tortura - encontramo-las só quando todo o mal já passou e ninguém viu nada. E nunca ninguém sabe nada. Em contrapartida, a violência moral está ali exposta, até ao limite do intolerável. Quando o pastor determina que o filho passa a dormir de mãos atadas à cama para não ceder às tentações do Diabo. Ou quando a irmã, num acto de rebelião vingativa, mata, com uma tesoura, o pássaro do pai a quem ele trata com todos os desvelos, e deixa-o, sangrante, com as asas abertas, em cima da sua secretária, como uma arranjo floral funesto. E ainda noutra cena impiedosa, talvez a mais dura do filme. Quando o médico, num tom indiferente, assassina moralmente a amante e lhe chama decrépita: "És feia, desmazelada, flácida e tens mau hálito." Depois de fazer amor com ela, diz, sente vontade de vomitar.

A ausência de calor humano torna glaciares as previsões. A brutalidade inferida às crianças e às mulheres por todas estas autoridades, paternas, eclesiásticas e políticas, com diferentes graus de malvadez, há-de ser devolvida à sociedade, em grande escala. Este é um prefácio do nazismo. Estes miúdos serão, eles próprios, a autoridade nos anos 30, quando Hitler chega ao poder. Portanto, não se pergunte warum?, porquê? As raízes estavam lá. Como pedras batidas que guardam obstinadamente a sua faísca. O produto é interno e bruto.

autoria: Ana Margarida de Carvalho, Visão

Trailer oficial:

Programação musical OUT.RA (19 de Junho, Galeria Municipal, 21h30)

2010-06-10T23:01:00.014+01:00

Projecção do filme:

Derek Bailey Playing For Friends On 5th Street

Ficha Técnica

Título Original: Derek Bailey Playing For Friends On 5th Street
Realizador: Robert O’Haire
Ano: 2004
País: E.U.A.
Duração: 51 min.
Sites: Straw2Gold Pictures video oficial
Nota: filme em inglês, sem legendas.

Sinopse

Nome incontornável nos avanços da guitarra enquanto expressão meta-linguística, e génio absoluto das músicas livres, Derek Bailey (falecido em Dezembro de 2005) deixou um legado, que mais do que compreendido ou reinterpretado (pela sua idiossincrasia), poderá apenas encontrar eco na exploração da guitarra enquanto veículo para a descoberta. Gravado na Downtown Music Gallery em Nova Iorque em Dezembro de 2001 (pouco antes de contrair o síndrome de Túnel de Carpal) perante uma audiência de amigos, este documentário realizado por Robert O`Haire capta a guitarra de Bailey despida de amplificação, numa toada intimista, onde cruza a sua história de vida com as suas seminais notas irrequietas, espasmódicas, angulares, únicas, geniais. Uma homenagem sentida a uma figura ímpar que partiu demasiado cedo.

Parceria

Projecção inserida na programação musical da OUT.RA na Galeria Municipal do Barreiro.

A OUT.RA – Associação Cultural, promove uma ocupação artística do (magnífico) espaço da Galeria Municipal do Barreiro, na noite de Sábado, 19 de Junho, a partir das 21h30.

A noite inicia-se com a projecção do filme “Derek Bailey – Playing for friends on 5th street”, do norte-americano Robert O'Haire, homenagem a um dos maiores inovadores da guitarra na música do séc.XX, líder de uma vasta geração que redefiniu a música improvisada, no ano em que se completam 5 anos do seu desaparecimento.

Seguem-se concertos do jovem prodígio barreirense MIKE STYLES, dos POW, nova dupla também barreirense, e dos lisboetas FELIPE FELIZARDO e SAXONTHEROAD, projecto de AntónIo Torres, dos lendários COTY CREAM. A noite terminará com um concerto de música improvisada, por TRAVASSOS (electrónicas), PEDRO SOUSA (saxofone), PEDRO LOPES (gira-discos) e HERNÂNI FAUSTINO (contrabaixo).

Durante toda a noite estará patente uma exposição de trabalhos recentes, de desenho, pintura e gravura, do artista local BRUNO CONTREIRA.

Último destaque para uma sala vídeo-lounge, onde serão exibidos ininterruptamente vídeos de música experimental e recolhas etnomúsicográficas de vários pontos do globo.

A entrada para vale apenas 3€, sendo que os sócios da OUT.RA usufruirão de entrada gratuita.

Mais informação: http://www.out-ra.blogspot.com/

Anticristo – Lars von Trier (11 de Junho, 21h30, AMAC)

2010-06-04T18:20:00.006+01:00

Ficha Técnica

Título Original: Antichrist

Realizador: Lars von Trier

Ano: 2009

País: Dinamarca, Alemanha, França, Itália, Polónia, Suécia

Duração: 109 min.

Classificação: M/18Q

Sites: IMDB PTGate site oficial

Sinopse

Um casal de luto retira-se para o "Éden", a sua cabana isolada na floresta, onde esperam reparar os seus corações quebrados e o seu casamento em perigo. Mas a natureza segue o seu caminho e as coisas vão de mal a pior...

Um Homem Singular - Tom Ford (7 de Maio, 21h30, AMAC)

2010-05-03T20:38:00.008+01:00

Ficha Técnica

Título Original: A Single Man

Realizador: Tom Ford

Ano: 2009

País: EUA

Duração: 99 min.

Classificação: M/16Q

Sites: IMDB PTGate

Crítica

Colin Firth é um homem para quem a vida já não faz sentido na extraordinária estreia na realização do estilista Tom Ford. É, dizemos nós, uma obra-prima

Era uma vez um professor de literatura numa universidade californiana, que vive uma sexta-feira normal como se fosse o último dia da sua vida. E, por vontade dele, é-o - porque, desde que o seu amor morreu num acidente de carro, já nada mais faz sentido. Este, então, é o percurso do último dia da vida de George Falconer, cansado de não mais ter ao seu lado quem esperava que o abraçasse e partilhasse a sua vida até ao fim. Uma espécie de "imenso adeus" a uma vida aparentemente encantada - um emprego confortável, um estatuto invejável, uma casa perfeita à esquina do Pacífico, mas que nada significam quando se deve sofrê-los sozinhos, quando se está cansado de procurar pensos rápidos descartáveis que só preenchem o enorme vazio que a morte deixou até a cola desaparecer.

Sempre que há um "penso rápido", um momento de empatia com o mundo, um momento em que George faz uma ligação emocional com alguém, a paleta de cores de Tom Ford explode num voluptuoso Technicolor saído da Hollywood dos anos 1950 e 1960, como convém a uma história que se passa em 1962, no pleno centro do sonho americano do pós-guerra. Mas é, literalmente, sol de pouca dura - tal como a noite se sucede ao dia, também a fotografia meticulosamente precisa de Eduard Grau regressa à dessaturação quase sépia que reflecte a tristeza indizível de um homem a quem foi arrancado, nas palavras de Chico Buarque, um "pedaço de mim".
Que esse "pedaço de mim" seja outro homem, que "Um Homem Singular" adapte um texto fundador da literatura gay assinado por Christopher Isherwood, apenas empresta uma dimensão adicional a um filme que fala de solidão, de luto, de esperança, de vida, de morte, de amor sem nunca os embrulhar em tiques ou truques de militância - porque a emoção central é universal, porque todos nós temos de aprender a enfrentar a perda de um ente querido, marido, mulher, amante, irmã, irmão, pai, mãe.

Há dois milagres no primeiro filme de Tom Ford. O primeiro é esse - conseguir encontrar o universal numa experiência singular, conseguir uma dificílima tradução em imagens de emoções profundas que já todos sentimos mas que nem sempre conseguimos articular.

E o segundo é inseparável do primeiro - é o facto de "Um Homem Singular" ser uma das estreias mais fulgurantes que vemos em muitos anos, de um controle formal e de uma sensibilidade que muitos cineastas mais experientes dificilmente ou raramente atingem. Tanto mais espantosa quanto Ford, um dos mais lendários estilistas da moda dos anos 1990, não tinha nenhuma experiência cinematográfica e não apenas prova saber muito bem o que está a fazer como arranca de Colin Firth, actor de cujo talento nunca se duvida, uma daquelas interpretações arrasadoras para entrar nos livros de referência. Todo em retenção e discrição, sem nunca cair nos opostos do excesso e da ausência, do minimalismo e do histrionismo, Firth ancora com uma segurança quase ofensiva um filme que podia muito rapidamente cair no exercício de estilo estéril.

Mas era preciso que Ford deixasse que isso acontecesse - e rapidamente se percebe que o que interessa ao estilista é contar uma história em vez de fazer pose. Encontrou o elenco ideal para isso (porque não é só Firth que é magnífico, mas também Julianne Moore, divina como há muito não a víamos, ou Matthew Goode) e, no processo, fez uma pequena obra-prima. "Um Homem Singular" pode bem ser um caso único - mas, se o fôr, ainda bem que existe.

Mario Jorge Torres, Ípsilon

Autografia - nova data

2010-04-13T22:13:00.006+01:00

O filme Autografia não pôde ser projectado no passado dia 2 por motivos técnicos, tem nova projecção marcada para este sábado dia 17 as 21:30 horas na sede do Cine Clube.

Autografia (2 de Abril, 21h30, sede do Cine Clube)

2010-03-31T19:59:00.006+01:00

Ficha Técnica

Título Original: Autografia
Realizador: Miguel Gonçalves Mendes
Ano: 2004
País: Portugal
Género: Documentário
Site oficial: http://www.jumpcut.pt/home_pt.htm

Sinopse:

Com este documentário pretende-se retratar não o poeta e pinto Mário Cesariny mas sim a sua vida, o seu percurso e a sua individualidade.

Como espaço de acção privilegiou-se o seu quarto, por ser este actualmente a base da sua crialão e da sua intimidade. É aqui que resiste tudo o que não se perdeu.
Sendo este um trabalho que vive sobretudo das questões colocadas (ausentes) e das respectivas respostas, optou-ser por assumir como fio condutor um dos seus poemas - "autografia" - que servirá de mote, através da sua análise para as questões intencionadas, de modo a que o filme assuma um carácter intimista, estabelecendo-se um diálogo entre quem o vê e que é retratado.
Neste documentário/registo existem vários planos: o de análise do poema; o das respostas; o do seu trabalho (exposto na sua intimidade) e o da nossa própria interpretação; uma espécia de respigar/reciclar de citações e de conteúdos que acabam por nos permitir uma apropriação de Mário Cesariny.
(texto: Miguel Gonçalves Mendes)

UM HOMEM FALIDO - VIGILAMBULO CAOLHO

2010-03-22T21:41:00.003Z

Um Homem Falido
de David Lescot

23, 24 e 25 de Março
Cine Clube do Barreiro às 21h30
Integrado na Quinzena da Juventude do Barreiro

Leitura encenada de “O Homem Falido”, de David Lescot, por uma actriz, dois
actores e uma voz off, num cenário minimalista.

“O Homem Falido” é uma metáfora da vida, no seu percurso mais dissidente e hostil. Retrata um mundo de falências individuais, em que a ética do alheamento se traduz num novo périplo para a sobrevivência.
“O Homem Falido” traça a história de um homem, que cede aos constantes apelos de uma sociedade consumista, facilitada pela concessão despudorada de créditos, e se enleia numa teia de dívidas que resultam na perda (perda ritmada por um Liquidatário Mandatário) de todo e qualquer bem material, na separação da Mulher e finalmente no gradual alheamento por parte do Homem e da realidade que o circunda… um “Shrinking Man”.

Ficha Técnica:
Texto: Homem Falido; Autor: David Lescot; Criação: Vigilâmbulo Caolho; Intérpretes: Júlio Mesquita, Jorge Pedro, Joana Tavares; Direcção de actores: Júlio Mesquita; Sonoplastia: Christophe Dupont; Fotografia: Ivo Tavares; Apoio artístico: Sandra Amaro; Produção executiva: João Fernandes, Telma Moniz; Uma produção Vigilâmbulo Caolho / 2010

A Inglesa e o Duque - Eric Rohmer (19 de Março, 21h30, AMAC)

2010-03-18T23:59:00.005Z

Ficha Técnica

Título Original: L' Anglaise et le Duc

Realizador: Eric Rohmer

Ano: 2001

Países: França

Duração: 129 min.

Classificação: n/d

Sites: IMDB | PTGate | Oficial

Crítica

O filme adapta as memórias de Grace Elliot, uma inglesa que deixou escritas as suas aventuras durante o período de Terror da Revolução Francesa – Grace era monárquica, e foi nessa perspectiva que descreveu tudo o que viu. A inglesa registou ainda o desencontro de argumentos que travava com o Duque de Orleães, ex-amante, que era primo de Luís XVI, mas que nesses tempos difíceis optou, estrategicamente, por votar a favor da morte do rei.

No filme, Grace é, assim, uma típica heroína rohmeriana, daquelas que estabelece uma regra de conduta, um programa ideológico e prático para dominar o mundo que a rodeia. Com um indisfarçável sentimento de excitação pelo perigo. Grace vê-se a si mesma como heroína das aventuras que delineou – mas tudo vai, inevitavelmente, ser modificado pelo acaso.

A INGLESA E O DUQUE é o anunciado encontro de Rohmer, 81 anos, com as novas tecnologias. Com os interiores filmados em estúdio, os exteriores “incrustam”, através de computador, as personagens em ilustrações que desenham a topografia de Paris do século XVIII. Não há um único exterior que não seja “pintado”, mas, diz Rohmer, não lhe interessou a política nem a ideologia (respondendo a quem sente um odor “reaccionário” na adopção do ponto de vista monárquico). Antes, a possibilidade de pintar a geografia da cidade numa determinada época. E a verdade pictórica dos sentimentos.

A INGLESA E O DUQUE é, assim, e de uma forma quase irónica, deliciosamente artesanal, reencontrando o privitivismo do cinema mudo (Gance e Griffith foram as referências, segundo o realizador). Como não podia deixar de ser numa obra tão moderna e de um classicismo tão intenso, o que interessa aqui não é a vertigem dos efeitos, mas a aventura mais exaltante do romanesco.

Vasco Câmara, Público

Cine Clube do Barreiro - 13 Março - 22h

2010-03-11T10:47:00.007Z

Pedro Gomes
Nome cental da redefinição da capital do país enquanto pólo para toda e qualquer movimentação libertária, - por via da ZDB, da Filho Único, CAVEIRA ou (os entretanto extintos) Manta Rota - Pedro Gomes tem secreta e muito esporadicamente vindo a pavimentar um interessantíssimo percurso a solo, enquanto guitarrista, sobretudo visível desde que passou a integrar a formação habitual do mais lendário “jazzman” português, o trompetista Sei Miguel.

Whit
Quarteto “gira-disquista” composto por Nuno Moita, Pedro Lopes, Miguel Sá e Fernando Fadigas, nomes incontornáveis da música electrónica, improvisada ou experimental em terras lusas. Whit amplificam neste formato os conceitos exploratórios do gira-disquismo no seguimento do trabalho de nomes como Chistian Marclay ou Philip Jeck, numa simbiose musical em que uso do gira-discos vai muito para além das suas capacidades reprodutoras para se assumir ele próprio enquanto instrumento criador. Das suas prestações ao vivo, destaca-se a fantástica intervenção em plena Moda Lisboa, durante o desfile da estilista Lidija Kolovrat, no Casino Estoril.

abertura de portas: 22h início dos concertos: 22h15
entrada livre

Os Livros de Próspero - Peter Greenaway (5 de Março, 21h30, AMAC)

2010-03-04T22:38:00.004Z

Ficha Técnica

Título Original: Propero's Books

Realizador: Peter Greenaway

Ano: 1991

Países: Holanda / França / RU / Itália / Japão

Duração: 125 min.

Classificação: M/12

Sites: IMDB | Atalanta Filmes

Crítica

O filme Prospero´s Book, de Peter Greenway foi baseado em The Tempest (A Tempestade), considerada a última peça escrita por Shakespeare, e se trata de uma festa para os olhos, mesmo que alguns críticos, à época do lançamento (1991), tenham-no considerado surrealista por demais – será possível haver limite para o Surrealismo? Perguntem para André Breton, ok? –. Esse filme foi um tanto pioneiro por utilizar técnicas e tecnologias que, hoje, são comuns em qualquer filme B que se preze.

O mote da peça – e do filme – são os livros que criam uma atmosfera de mitologia, humanismo, magia, vingança e redenção. Próspero, no filme, é representado por John Gielgud, um daqueles excelentes atores shakespearianos que Hollywood importa para dar peso às suas produções, o que é ótimo para quem gosta de cinema. Os elementos mitológicos da cultura Clássica, que bem exprimem uma época ainda marcada pelo Renascimento (séculos XVI e XVII), conduz-nos ao conhecimento de Caliban, um ser mitológico misto de humano e besta. Próspero é, ao mesmo tempo, escritor e personagem dos livros que vai escrevendo para dar prosseguimento à vingança imaginada contra aqueles que tomaram o poder e o exilaram.

Por obra de sua magia, consegue reunir vários deles na ilha após um naufrágio engendrado com o auxílio de Ariel, uma figura mitológica que pode se transmutar em água, ar e demais elementos para atender aos caprichos do mago. Assim como Caliban – meio homem meio animal –, que mantém uma relação de ódio e obediência com ele, Próspero.

As imagens desse filme sempre foram marcantes para mim, que vi, assim, uma quase materialização de uma época em que os autores usavam e abusavam da sua genialidade ao remeterem à Cultura Clássica. Quem gostar de Arte, História, Filosofia, Ciência, Literatura etc, terá neste filme, já com quase duas décadas desde a estreia, um motivo para se deliciar e compreender um momento prolífico da humanidade.

Para compor a cena introdutória, Greenaway utilizou-se de vários recursos de HDTV (high definition television) e técnicas sofisticadas de montagem. O efeito foi uma atmosfera de conflito e tempestade, não apenas como fenômeno natural, mas como tempestade de imagens, palavras, pensamentos, sons e ruídos. O que possibilitou a tradução da cena dramática para o cinema, através do uso de imagens e sons eloquentes, foi a reunião de variados recursos que a montagem e que o HDTV oferecem, os quais foram empregados não só nesta cena, mas ao longo de todo o filme. Estes recursos podem ser enumerados como: os enquadramentos inusitados e sobreposições na tela, a mesclagem de vozes e o uso da palavra escrita.”

(Costa, Erika V; Diniz, Thais F. N. A Última Tempestade de Peter Greenway como tradução Intersemiótica de “A Tempestade” de William Shakespeare)

Voltando aos livros, sempre eles, vemos que são eles, os livros, que constroem toda nossa cultura e a perpetuam. “O Livro das Águas” , “Livro dos Espelhos, “Livro do Amor”, “Livro das Cores” etc. Hoje, estamos vivendo o início de uma nova era para a difusão e divulgação do conhecimento. Os livros como os conhecemos, feitos de papel já começam a ser vistos como peças de museu. A cultura será difundida por meios eletrônicos através de máquinas que conterão uma biblioteca inteira e que, talvez, levemos uma vida para ler. Próspero, em seu exílio, tinha apenas 24 livros de sua vasta biblioteca e eles seguiram para o exílio, por sorte quando Gonzalo, seu antigo e fiel conselheiro os coloca no bote em que os condenados estavam rumo ao navio que os levaria para o exílio.

E, para finalizar, cito um trecho do artigo já mencionado acima, situando esse filme num momento de transição e adaptação das técnicas e tecnologias que, hoje, são tão comuns:

“(…) ele realizou uma adaptação/transposição/tradução de sistemas nos quais considerou não só o público atual como utilizou os recursos tecnológicos disponíveis da atualidade.”

Recanto das palavras

2ª Mostra de Fragmentos (6 de Fevereiro, 16h, sede)

2010-02-03T00:03:00.006Z

Cinema ao Sábado à tarde

6 de Fevereiro de 2010 às 16h

Sede do Cine Clube do Barreiro

No âmbito do Atelier de Vídeo vamos fazer a "2ª mostra de fragmentos".

Fragmentos é o resultado de um projecto cinematográfico no qual os criadores exploraram e interpretaram o Barreiro Actual, numa forte base experimental, utilizando registos e relações espaciais e sociais.

A partir de uma curta oficina de vídeo realizada em Abril de 2009, procuramos estimular o talento dos participantes com o objectivo de promover leituras visuais e inovadoras do Barreiro.

Pedro Sena Nunes, Coordenador

O Sangue - Pedro Costa (29 de Janeiro, 21h30, AMAC)

2010-01-23T15:18:00.004Z

Ficha Técnica

Título Original: O Sangue

Realizador: Pedro Costa

Ano: 1989

Países: Portugal

Duração: 95 min.

Classificação: M/12Q

Sites: IMDB | PTGate

Sinopse

Uma terra de província. Natal, fim de ano. Dois irmãos. Um tem 17 anos, outro 10. Eles juram guardar um segredo. Que tem a ver com as frequentes ausências do pai. E que só uma rapariga partilha com o irmão mais velho.

É que desta vez o pai não se ausentou apenas como das outras. Que se passou? Só Vicente e Clara o sabem. Segredos, promessas, separações, esperas. À força de querem sobreviver ao seu segredo os dois irmãos perdem-se.

Talvez seja sobre a noite da infância, este filme.

Concerto "Tiago Sousa"

2010-01-23T15:06:00.005Z

Tiago Sousa (piano) com Ricardo Ribeiro (clarinete) e Joana Guerra (violoncelo)

1ª parte - PCF Moya (guitarra)

entradas: 5€ | 2.5€ sócios OUT.RA

30 de Janeiro - 22h - sede do Cine Clube do Barreiro

Tiago Sousa

Músico barreirense que se tem afirmado a passos largos no panorama musical português, seja pelo seu trabalho desenvolvido na netlabel Merzbau ou pelos inúmeros projectos em que participou. Tiago Sousa tem vindo a desenvolver uma carreira (na verdadeira essência da palavra) a solo cada vez mais admirável. Iniciada em 2006 com 'Crepúsculo' e coroada com a edição do muito aclamado “Insónia” pela Humming Couch já em 2009, a sua obra pauta-se por uma singular abordagem ao piano, que partindo das coordenadas dispersas de compositores como Erik Satie ou Claude Debussy as reposiciona num contínuo onde o minimalismo de Terry Riley coabita confortavelmente com a sensibilidade indie de quem aprendeu muito com os anos de militância activa fora dos meandros mais académicos. Feita de motivos melódicos de enorme expressividade emocional, a música de Tiago Sousa habita a noite para perdurar durante o dia, num corpo categórico cujo apelo está ainda longe de estar devidamente cartografado.

PCF Moya

Parte integrante desse “mundo” improvisado que são os Frango, Rui Pedro Dâmaso tem vindo a construir um corpo de obra singular de pleno direito. Assente na guitarra, o seu trabalho a solo enquanto PCF Moya tem vindo a desenvolver as potencialidades sensoriais desse instrumento, numa linguagem extremamente personalizada. Partindo dos resquícios mais etéreos dos blues e da folk, cristaliza esses “fantasmas” em melodias circulares, com vista a um todo-nuvem de beleza em suspensão, e sempre em fuga a todo e qualquer crescendo despropositadamente épico. Tão fascinante quanto a luz do sol a abater-se sobre Lisboa ao fim da tarde vista do Barreiro.

Mais informações em Searching Records e OUT.RA.

O Cine Clube do Barreiro está de regresso à programação

2010-01-19T00:09:00.005Z

O Cine Clube do Barreiro está de regresso à programação: ao AMAC, para já, e, a breve trecho, ao auditório da sede.

Decidimos introduzir algumas alterações na programação para 2010: a redução do número de sessões no AMAC e a sua transferência para a sexta-feira, procurando chegar a um público que teria maiores dificuldades em assistir a sessões durante a semana, o reforço da actividade na sede, a renovação da aposta num conjunto de parcerias que vimos realizando e a construção, ao longo do ano, de novos espaços de visionamento, debate e aprendizagem do cinema.

As sessões no AMAC começaram já dia 15, com a Sede do Mal de Orson Welles.

Na sede as honras da casa cabem a Tiago Sousa, dia 30, num concerto que terá na primeira parte PCF Moya.

Contamos convosco. Bom ano!

O Visitante - Thomas McCarthy (10 de Dezembro, 21h30, AMAC)

2009-12-10T18:11:00.004Z

Ficha Técnica

Título Original: The Visitor

Realizador: Thomas McCarthy

Ano: 2007

Países: EUA

Duração: 104 min.

Classificação: M/12

Sites: IMDB | PTGate | Oficial | Castello Lopes

Crítica

Richard Jenkins é Walter Vale, um professor universitário de Connecticut que enviuvou recentemente e se vê obrigado a voltar a Nova Iorque para participar numa conferência sobre um artigo do qual é co-autor. Lá, encontra o seu apartamento ocupado pelo sírio Tarek (Haaz Sleiman) e pela senegalesa Zainab (Danai Jekesai Gurira), um jovem casal de imigrantes que, mais tarde se vem a descobrir, está ilegal no país. Depois de se aperceber que o casal fora enganado, Walter convida-os a permanecerem no apartamento até encontrarem outro lugar para ficar.

É este o ponto de partida para uma amizade entre o professor e Tarek, amizade essa que se aprofunda quando o músico sírio ensina a Walter as maravilhas da percussão (já antes Walter tentara uma incursão, falhada diga-se, pela aprendizagem do piano, uma vez que a sua mulher era uma exímia pianista e ele tentava a todo custo promover algo que mantivesse “viva” a sua memória). Mas esta nova e mais alegre fase da vida do solitário professor vê-se abalada com a prisão do amigo que enfrenta agora uma possível, e provável, deportação. Assim, Walter inicia, juntamente com Mouna Khalil (Hiam Abbass), mãe de Tarek, uma luta pela libertação deste mas... conseguirá atingir os seus propósitos?

A consistência do guião, as cenas de extremo bom gosto (nomeadamente as que denunciam a aproximação de Mouna e Walter e as que o juntam, com Tarek, a tocar tambor) bem como o final que foge a previsíveis clichés, fazem de “O Visitante” um filme interessante, bastante introspectivo e que vem abordar uma temática não muito explorada cinematográficamente: a imigração. De mencionar ainda as óptimas interpretações por parte de todos os actores que permitem à película manter-se longe do drama fácil, criando assim um ambiente discreto, envolvente e muitíssimo inteligente.

Um filme que faz claramente a diferença. A não perder!

“You can't just take people away like that. Do you hear me? He was a good man, a good person. It's not fair!”

- Mafalda, Golden Ticket

51º Aniversário - Alteração de última hora

2009-12-04T15:39:00.001Z

Caros sócios do Cine Clube,

Vimos por este meio informar que por motivos imprevistos as comemorações do 51º aniversário do Cine Clube do Barreiro, nomeadamente o almoço de convívio e projecção, se encontram adiadas. Contamos na próxima semana dar mais informação. Lamentamos o sucedido.

Welcome - Phillipe Llorret (3 de Dezembro, 21h30, AMAC)

2009-12-01T18:49:00.006Z

Ficha Técnica

Título Original: Welcome

Realizador: Phillipe Llorret

Ano: 2009

Países: França

Duração: 110 min.

Classificação: M/12

Sites: IMDB | PTGate | Oficial

Crítica

Gostaríamos de acreditar que nos dias de hoje, discriminação é coisa do passado, mas isso é pura ilusão. Nos países mais desenvolvimentos ainda existe este tratamento, o qual as associações de Direitos Humanos negam ver e os habitantes dessas tais zonas ousam em ignorar, é esse tema o qual Welcome debate sobre o espectador com a comovente história de Bilal, um adolescente iraquiano, que sai do seu país de origem para Inglaterra na busca de uma vida melhor, ou talvez mais que isso, por amor. Durante a sua viagem, Bilal é apreendido no porto de Calais, França, o qual só o Canal de Mancha separa-o do seu objectivo. Ao perceber que pelas vias mais fáceis não consegue sair do país, decide tomar algumas aulas de natação com o intuito de atravessar o Canal a nado. E é nas suas aulas que conhece Simon, o instrutor, cuja vida amorosa está a desabar aos poucos, fica comovido com a história do rapaz e decide ajuda-lo na sua travessia. Apresentado no Festival de Berlim de 2009, o qual vence dois Ursos de Ouro, Welcome de Philipe Lioret é uma das melhores apostas europeias deste ano, um tocante e discreto filme que reflecte a aventura de Bilal como uma intervenção urgente ao mais ignorante do povo ocidental, mas também revela numa bem contada história de drama humano. Do mesmo realizador de Mademoiselle (2001) chega-nos uma lição de vida e um trio de actores que dão uma enorme força a esta fita, primeiro de tudo temos a introdução de Firat Ayverdi, que desempenha Bilal, o qual ao cinéfilo atento aconselho a não o perder de vista, o veterano Vincent Lindon (o qual vimos em La Moustache de 2005, desta vez sem o seu dito bigode) e Audrey Dana, a cumprir o melhor desempenho do filme. Welcome não ilude, é sim um retrato de vida, um dos melhores do ano.

Hugo Gomes

Cine Clube do Barreiro - 51º Aniversário

2009-11-30T14:48:00.003Z

Estimado consócio vamos comemorar os 51 anos de vida do Cine Clube do Barreiro, como é já nossa tradição, com um "almoço de convívio", a ter lugar no restaurante EMPÓRIO DO PALADAR, sito na Rua dos Combatentes da Grande Guerra, junto ao Mercado 1º de Maio que terá início às 13.00 horas do dia 5 de Dezembro de 2009.

Em complemento realizamos durante a tarde, na nossa sede uma sessão de cinema com um "Selecção de curtas" com filmes do Brasil mostrados no Festival Internacional de Curtas de Évora - FIKE 2009 a qual será apresentada pelo director da FIKE, João Paulo Macedo, que estabelecerá connosco uma conversa sobre a importância actual do cinema de curta-metragem.

Com este propósito convidamo-lo a si e à sua família, para este dia de confraternização cineclubista. Inscreva-se.

Sábado 5.12.2009 às 13.00 horas

Ementa - Entradas, em opção: carne alentejana, bifinhos com cogumelos, sobremesas, café e digestivos. Custo 15.00 euros.

Marcações para cineclubebarreiro@gmail.com ou telefone 914451858.

Cada Um o Seu Cinema - Vários Autores (26 Novembro, 21h30m, AMAC)

2009-11-25T11:00:00.005Z

Diga um nome de um realizador e ele estará aqui, em CADA UM O SEU CINEMA. Encomenda do Festival de Cannes ao “who’s who” cinematográfico, é composta por 33 pequenos filmes que descrevem uma experiência cinematográfica. Manoel de Oliveira também fez um.
Há muitos cinemas ao ar livre, cegos que vêem filmes – isto é: que não precisam de olhos para sentir os filmes –, há “cinemas paraíso”da infância, homenagens a Fellini, Robert Bresson, Godard. E salas, abandonadas, que já foram arenas da catarse colectiva. É como se se dissesse: “Ah, o cinema!”
Alguns dos episódios do filme colectivo CADA UM O SEU CINEMA têm mesmo a cara dos realizadores que os fazem. Literalmente. Nanni Moretti: sozinho numa sala, faz o seu diário de espectador, e isso leva-o a aproximar-se do habitual registo de fúria (para falar dos pés de Michelle Pfeiffer em What Lies Beneath, do momento em que Rocky levou os braços ao ar em Rocky Balboa, do momento em que o filho de dois anos lhe pediu para irem ver Matrix 2.)
Lars von Trier: estilhaça com um martelo a cabeça de um espectador que não pára de falar na sala escura. Nostálgico Lars não é. Eis como a experiência colectiva pode, afinal, ser um problema.
Takeshi Kitano: sala vazia, só com um espectador, no ecrã um filme, Kids Return, a película sempre a partir-se ou a queimar. O projeccionista deste exercício de humor afiado é o próprio Kitano.
Os irmãos Coen não aparecem, mas às primeiras imagens o seu episódio é reconhecível (pode- se, aliás, fazer um exercício ao longo das duas horas de CADA UM O SEU CINEMA: adivinhar a quem pertence cada pequeno filme). Nele, um cowboy, no desolado Oeste, aventura-se pela cinefilia, ainda por cima em língua estrangeira. Não sabe o que há-de ver, se A regra do jogo, do francês Jean Renoir, ou se Climas, do turco Nuri Bylge Ceylan. Que aconselhariam?
“Filmes dentro de filmes” é o que mais há neste projecto, encomenda do festival a toda a gente que é alguém da família do cinema. Cannes reivindica-se como espaço natural para todos eles. São mais de 30 realizadores, contam em poucos minutos o que sentem como experiência cinematográfica.
Diga então o nome de um cineasta, e ele provavelmente estará aqui: Gus Van Sant, Chen Kaige, Hou Hsiao-Hsien, Angelopoulos (homenagem a Marcello Mastroianni), Michael Cimino, Wim Wenders, Tsai Ming-liang, Abbas Kiarostami, Jane Campion...
Numa sala escura, a mão de um ladrão de carteiras é aproveitada, por aquela que ia ser a vítima, como acalmia de um desejo intenso – belíssimo episódio dos belgas Jean Pierre e Luc Dardenne. Roman Polanski põe um homem a arfar violentamente quando vê o erótico Emmanuelle – é tudo dores, acabou de cair do balcão.
O mais aplaudido: E um encontro entre o camarada Nikita Krutstchev e o (camarada?) Papa João XXIII? Manoel de Oliveira filmou Nikita (Michel Piccolli) e o papa ( João Bénard da Costa) a compararem o que têm em comum: as barrigas, a necessidade de comer. Como um filme mudo, e serenamente libertário.
Palmas, e standing ovation para Oliveira da parte dos seus colegas quando entrou na sala de conferência de imprensa.
O episódio mais aplaudido: o do brasileiro Walter Salles, contagiante batucada, em frente a um cinema no sertão brasileiro, que passa “Os 400 golpes”, de Truffaut. Os batuqueiros cantam tudo o que sabem de Cannes, e sabem tudo desse filme... por causa da Net. Salles dizia que assim quis mostrar que a experiência que o continua a interessar é ver cinema numa sala, não num telemóvel. O rosto de David Cronenberg não mostrou sinais de expressão quando Salles falou. Gostaríamos de saber o que ele pensa. Ele que é autor de um episódio que (não é possível ter a certeza) deverá contar a seguinte história: um homem, “o último judeu na terra” (o próprio Cronenberg), está numa casa de banho, o sítio para onde retrocedeu essa coisa a que se chama “experiência de cinema”. O homem suicida-se. Aceitar-se-iam hipóteses de interpretação, mas Cronenberg deu-as a seguir ao filme: “O meu episódio é sombrio? Não sei. O cinema, tal como nós o conhecemos e amamos, já não existe, já é coisa do passado. O cinema se calhar já não está aqui”.

Texto de Vasco Câmara

Música dos OSSO para Paisagens de Moçambique (20 Novembro, 21h30m, CCB)

2009-11-17T10:31:00.004Z

"Música dos Osso para Paisagens de Moçambique"

20 Novembro, 6ª feira, 21h30m, Cine Clube do Barreiro, 3€

Um filme sobre paisagens de Moçambique inspira um concerto de música electrónica improvisada em tempo real a partir das imagens projectadas no ecrã, num projecto descrito como um poema visual dedicado àquele país africano. A ideia é representar uma viagem a Moçambique a partir de imagens captadas pelo realizador Álvaro Romão, em 2005, na zona de Maputo, na sequência de uma experiência profissional. As paisagens de Moçambique, mais ou menos humanizadas e quase possíveis de tocar, serão musicadas ao vivo de um modo livre - os Osso assentam a sua performance numa estrutura musical pré-estabelecida e improvisam ao vivo na construção de uma ecologia audiovisual que esbate as fronteiras tradicionais entre lá e cá, num continente e no outro, num palco ou numa plateia. Os Osso são uma banda de música experimental e improvisada de Leiria, composta por Bruno Silva (Somália., Ninjas!, Brisa Panaca) e por Carlos Nascimento (ghoak, Robert Foster). Esta será a 2ª apresentação mundial deste espectáculo, cuja estreia teve lugar no Cine-Teatro Miguel Franco, em Leiria, em Outubro.

duração do espectáculo: 60min reservas e informações: out.ra@iol.pt~

Uma organização da Sede-A9))) em parceria com a OUT.RA - Associação Cultural e com o Cine Clube do Barreiro

Duplo Amor - James Gray (19 Novembro, 21h30m, AMAC)

2009-11-16T15:37:00.006Z

Um belíssimo drama honesto e profundo, e a suposta despedida de Joaquin Phoenix do Cinema.

Dos quatro filmes de James Gray, autor muito adorado na Europa e muito ignorado lá por fora, vi apenas dois: Nós Controlamos a Noite, saído no ano passado, e este. Bastaram esses dois para passar a ter o autor como um nome a ter em conta, pois ambos os filmes demonstram um talento do realizador como um verdadeiro contador de histórias, fazendo filmes que vivem à base de um tom bem definido e perfeito para a história em si, história essa bem escrita e bem interpretada por um elenco que parece estar perfeitamente à vontade na pele das suas personagens. O Cinema de Gray é, acima de tudo, um Cinema de personagens e, de certa forma, um Cinema de veia clássica. E graças a Deus para isso.

Passamos agora de uma história de máfia e forças policiais, como a que tínhamos em Nós Controlamos a Noite, para uma história de triângulos amorosos e uma personagem perturbada. O que se mantém? A vertente de drama familiar (temos aqui um excelente Moni Moshonov, que também entrava no anterior filme do realizador, como pai do protagonista, e, acima de tudo, uma espectacular Isabella Rossellini como mãe), a câmara controlada e trabalhando em prol das personagens, um elenco perfeito, uma história que não cai no cliché, e um tom bem definido em todos os aspectos desde a fotografia à banda-sonora.

Pela terceira vez consecutiva, Joaquin Phoenix volta a trabalhar com James Gray. E nota-se, de facto, que o realizador consegue fazer vir ao de cima o já inquestionável talento do actor, criando uma personagem, Leonard, que se vê perfeitamente ter vindo directamente da mente do realizador para o corpo (e também mente) de Phoenix, sendo aqui o protagonista um fascinante e perturbado jovem com o qual é impossível não simpatizar que, após ter sido abandonado pela noiva, volta para casa dos pais, conhecendo quase em simultâneo duas belas raparigas: Sandra (Vinessa Shaw, perfeita numa personagem carinhosa que transpira bondade) e Michelle (Gwyneth Paltrow, também perfeita numa personagem perturbada e complicada) . Perante estas duas raparigas, Leonard vê-se forçado a escolher entre a segura e estável Sandra, ou a complicada e confusa Michelle. Esta é, pois, acima de tudo uma história sobre a obsessão pelo amor, sobre o quanto temos a visão toldada quando estamos apaixonados, e uma história sobre a forma como cada um tenta ser feliz, lidando o melhor possível com os seus problemas.

Leonard tentou o suicídio e esteve internado após ter sido abandonado pela sua noiva, e a sua insanidade interior paira como uma sombra por todo o filme, sem nunca ser mostrada de forma explícita ao espectador até certo ponto, quando o filme atinge na segunda metade uma magnífica intensidade dramática, onde se tornam visíveis todos os íntimos desejos da personagem de Phoenix, onde se vê de forma tão clara a sua fragilidade. A primeira metade do filme é sem dúvida dotada, mas é na segunda metade, quando o desenvolvimento das personagens atinge o seu expoente máximo após uma rápida reviravolta, que o filme revela todo o seu propósito, e que a obra cresce em intensidade e qualidade, mostrando Gray ao espectador o belíssimo filme que se encontra a passar na tela. A sombra da loucura e da obsessão está presente de forma constante, mas é quando todo esse subtil suspense rebenta, quando ocorre essa pequena (mas brilhante) reviravolta que mostra tudo como de facto é, que o filme se torna na bela obra que é.

Como contador de histórias, Gray é aqui exímio e ir lentamente construindo uma determinada premissa, uma determinada personagem, para depois a revelar de forma perfeita ao espectador. Não há no filme uma única cena a mais nem uma única cena a menos. Em termos de ritmo e em termos narrativos, o filme é impecável.
O filme é forte em todos os aspectos, e é de notar as belas interpretações de todo o elenco. Phoenix está óptimo, como seria de esperar, e Gwyneth Paltrow impressiona no seu papel por vezes intenso e ambíguo… Vinessa Shaw está perfeita no seu papel, criando uma personagem com a qual é impossível ao espectador não simpatizar, e Isabella Rossellini está magnífica, revelando em olhares e pequenos momentos a mãe afectuosa e preocupada que é, preocupando-se, acima de tudo, com a felicidade do filho (algo raro no actual cinema). A musa está aqui perfeita, num papel frágil e por vezes até comovente.

Duplo Amor não é um Romance por inteiro. Mas também não é um Drama por inteiro. Tem uma notável densidade dramática, mas tem também toques de um melodrama clássico. É, pois, um filme muito próprio. É, acima de tudo, a história de um homem que tenta obter redenção para si mesmo e que tenta, acima de tudo, amar e ser amado. Infelizmente, nem sempre se pode ter ambas as coisas. E por vezes há que escolher entre uma e outra. E é, acima de tudo, dessa escolha que fala esta obra. E fá-lo de forma honesta, longe do cliché, longe da banalidade. Duplo Amor é, verdadeiramente, uma pequena pérola. Não é perfeito e não é nenhuma Obra-Prima. Mas é uma obra que comove, toca, e que o faz com uma honestidade rara que, por si só, faz com que valha a pena o bilhete de cinema.

texto da autoria de Gonçalo Trindade

Histórias da Caçadeira - Jeff Nichols (12 Novembro, 21h30m, AMAC)

2009-11-11T10:05:00.010Z

INTENÇÕES DO REALIZADOR

Não existe vitória na vingança.

Esta é a ideia que escolhi explorar com Shotgun Stories (…). Tantas vezes na literatura, nos filmes, na política e na sociedade, a vingança, e, principalmente, a execução da vingança, é considerada um sucesso. Quer seja no preenchimento do seu voto em arruinar Danglar por parte de Edmund Dantes em O Conto de Monte Cristo ou na queda para a morte de Hans Gruhber em Die Hard, a euforia que sentimos enquanto espectadores a assistir ao vilão receber a sua destinada é inegável. Com Shotgun Stories eu queria trabalhar contra esta noção. Eu queria que a vingança fosse uma coisa estranha de precisar e uma causa não necessariamente defendida pelo espectador. A violência é uma tarefa pouco habitual para estas personagens, assim como o é para a maior parte das pessoas. A sua raiva e emoções são válidas, mas as suas reacções a essas emoções não são precisas. A minha esperança é que Shotgun Stories dê um retrato honesto de pessoas normais e trabalhadoras a responderem à dor e ao desgosto de coração que encontram, e que por vezes criam, nas suas próprias vidas.

Na minha opinião, as histórias deveriam ser originárias de um sítio específico. Penso que a história regional força o processo criativo para uma direcção muito honesta. Enquanto realizador gosto da noção de ser reconhecido pela representação correcta do dialecto, do guarda-roupa e em última instância, do sentido do lugar. Afecta a maneira como escrevo, como falo do material com os actores, como a direcção artística se monta e especialmente como filmamos.

Eu cresci no Arkansas numa família com dois irmãos mais velhos e passei uma quantidade de tempo apreciável à volta de sítios e de pessoas que Shotgun Stories tenta retratar. A partir dessas experiências eu sabia que havia certas coisas que queria incluir no meu primeiro filme: uma paisagem de campo aberto filmado com um formato anamórfico, personagens que mantivessem as frases curtas e as emoções resguardadas, uma história sobre as singulares relações entre irmãos, e uma cultura de peixes. Tudo isto eram coisas muito específicas que eu observava enquanto crescia, e era importante que estivessem representadas de forma correcta no filme.

Antes da produção eu tinha um argumento que achava bastante honesto.
O truque era fazer com que o filme também se parecesse com o argumento. Gary Hawkins, um professor que tive e amigo que me ajudou em Shotgun Stories, disse que o trabalho dos realizadores de documentários era estruturar os seus filmes o mais aproximadamente dos filmes narrativos possível, mas que era o trabalho dos realizadores narrativos aportarem tanta realidade para os seus filmes como a encontrada nos documentários. Parece simples, mas a produção de filme narrativo não é particularmente dada ao realismo (especialmente quando feita em película).
Quando estávamos a filmar Shotgun Stories na pequena cidade de England, Arkansas, as pessoas, apesar de imensamente colaborantes, na verdade não gastaram muita energia connosco. Filmámos num stand de hambúrgueres que nunca fechou o negócio. Filmámos também numa lavagem de carros no centro da cidade que ficou aberto durante todo o tempo em que filmámos. Camiões e carros encostavam continuamente para lavar a lama dos pneus. As pessoas não passavam muito tempo a olhar para a câmara porque tinham moedas nos jactos que precisavam de gastar. Não há dúvida de que esta actividade acrescenta tanta energia como valor de produção a estas cenas. Sentes que as circunstâncias com que as personagens do ecrã lidam estão a acontecer e no meio de um sítio muito real. Para as grandes produções este anonimato deve ser difícil de conseguir.

Na história, a coisa mais interessante para mim é que pode passar-se em qualquer lugar. São filmes que não se aproveitam dos detalhes do redor e que têm tendência a aborrecer-me. Os pontos da trama de Shotgun Stories poderiam acontecer em qualquer lado, mas se fosse feito noutro sítio resultaria daí um filme completamente diferente.
O Sudeste do Arkansas é um lugar de combustão lenta. As pessoas deslocam-se em passos seguros num fundo de quintas vastas. Isto para mim significava um formato de 2:35. Significava filmar em quadro em vez de usar imensa câmara à mão. Significa pausas grávidas nos diálogos e não deixar pôr muita maquilhagem nas minhas actrizes.
Significava que a câmara não se mexia, a não ser que fosse absolutamente necessário.

Isto não é um filme que pudesse ser feito noutro sítio qualquer (…). O Arkansas é o filme.

Jeff Nichols

Abraços Desfeitos - Pedro Almodóvar (5 de Novembro, 21h30, AMAC)

2009-11-03T23:43:00.003Z

Ficha Técnica

Título Original: Los Abrazos Rotos

Realizador: Pedro Almodóvar

Ano: 2009

Países: Espanha

Duração: 127 min.

Classificação: M/12

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Crítica

A carreira de Almodóvar tornou-se um problema para o próprio. Todos citam dois ou três nomes como os seus grandes títulos, fala-se de algumas obras chave, mas é o somatório da sua carreira que construiu o monstro que é, agora, cada um dos seus filmes. Um novo filme de Scorsese não tem de ser especialmente inovador, basta-lhe uma certa pinta e a lembrança do antigamente. A um novo Woody Allen, para agradar à quase generalidade dos críticos, pede-se-lhe apenas que torneie a sua ansiedade num qualquer malabarismo bem pensado - uma bola de ténis numa rede, quiçá. A Almodóvar, exige-se tudo. A superação emocional a cada filme. Exige-se-lhe a originalidade da estética, a densidade emocional que ele confere às suas personagens e ao objecto final, e uma narrativa que nos prenda. Mas, às vezes, Almodóvar pode querer apenas fazer um filme.

O pacote de Suporte Básico de Almodóvar, chamemos-lhe assim, está lá todo. O poder das mulheres no (seu) cinema, Penélope Cruz filmada como só ele sabe, a homenagem ao cinema, a homenagem à cor, a metáfora e a narrativa à procura do passado. Mas, conceda-se a mão à palmatória, já o vimos mais eufórico. Já o vimos com uma mensagem. Noutros filmes - Má Educação, Tudo Sobre a Minha Mãe - pressentia-se a urgência nalgo para dizer. Noutros ainda, especialmente os primeiros, pressentia-se a necessidade de afirmação de um cinema de autor muito próprio, marcado por regras, por diálogos, por cores, por dinâmicas e por personagens-tipo muito próprias. Não só é normal que isto nem sempre surja, como é normal que a Almodóvar isto nem sempre apeteça. Daí que a toada crítica a abrir o caminho a Abraços Desfeitos como um filme menor - quem sabe a antever um percurso alleniano à coisa - seja claramente exagerada. Às vezes um filme, por mais belo, é apenas um filme.

Em Abraços Desfeitos, Almodóvar volta a algumas das suas mais antigas obessões. Duas são especialmente bem conseguidas - mesmo que o tenham sido ainda melhor noutros filmes seus. O passado como influência profunda do presente, ou a forma como o presente se percebe todo no passado, é recorrente na sua obra. A cada filme que passa, há uma obsessão contínua de começar no presente algo que se configura como incompleto e que só o passado pode explicar. Almodóvar podia fazer o filme no ontem ou centrar o filme no hoje. Mas é a consequência do primeiro sobre o segundo, mais do que a confrontação ou a necessidade narrativa, que verdadeiramente interessam. Outra antiga, e constante obsessão de Almodóvar, é o cinema. Aqui revisita-se também a si mesmo. Há mais Almodóvar naquela noção quase pirandelliana de filme dentro do filme do que no próprio filme. O ritmo do filme de Mateo é o de Almodóvar. Que o filme acabe com a reconstituição de um filme assim é merecido e sintomático.

Ícaro - Espaço de Crítica Artística

O Gabinete do Dr. Caligari - Robert Wiene (29 Outubro, 21h30m, AMAC)

2009-10-27T10:00:00.003Z

Voltámos a convidar o Jorge Moniz para criar grande música para um grande filme.

Depois do sucesso do ano passado com a exibição musicada de "Nosferatu", de F. W. Murnau, a escolha recaiu, desta feita, sobre o incontornável "Gabinete do Dr. Caligari" de Robert Wiene, o qual, juntamente com aquele, constitui o corpo central do designado "expressionismo alemão".

Como em 2008, o Jorge Moniz convidou para seus cumplices neste projecto o Valter Rolo e o José Canha.

Nós demos-lhes carta branca!

Vamos a mais uma grande experiência!

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O pendor para contrastes violentos, bem como a nostalgia do claro-escuro e das sombras, da noite indistinta, da névoa sinistra, inata aos alemães, encontraram na arte cinematográfica um modo de expressão ideal. As visões criadas por um estado de alma sombrio e atormentado podem ser transpostas com rara fidelidade para o cinema, que lhes fornece um suporte a um só tempo concreto e irreal.
Nas principais obras do cinema expressionista, os devaneios românticos de Hoffmann, Chamisso ou Tieck, combinadas à abstração radical da realidade "sensível" antes mencionada por Edschmid e Worringer, encontraram talvez sua tradução mais perfeita, mais acabada, e, sem dúvida, mais assombrosa. Para a alma torturada da Alemanha de então, tais filmes, repletos de evocações fúnebres, de horrores, de uma atmosfera de pesadelo, pareciam o reflexo de sua imagem desfigurada e agiam como uma espécie de redenção espiritual.

O Gabinete do Dr. Caligari, dirigido por Robert Wiene, é uma representação brilhante deste painel de sentimentos contraditórios e terrificantes que envolveram a Alemanha após o término da I Grande Guerra.

As perturbadoras experiências do roteirista Carl Mayer com psiquiatras durante a Guerra, e o testemunho real de Hans Janowitz, o outro roteirista, a respeito de um assassinato não resolvido de uma moça numa Feira de Variedades, foram o material básico que norteou a criação do roteiro do filme. A dupla de roteiristas pretendia, de início, fazer uma crítica mais ou menos realista do absurdo de qualquer autoridade social. O produtor Erich Pommer, que aceitou as idéias de Mayer e Janowitz sobre a execução dos cenários em tela pintada, medida que barateava os custos do filme, não foi tão receptivo quanto ao roteiro original, de conotações políticas perigosas. Foram acrescentados à história um prólogo e um epílogo, que, sob um certo ponto de vista, reduziam as denúncias de Mayer e Janowitz às elucubrações obscuras de uma mente doente.

Alguns relatos dão conta de que os roteiristas ficaram extremamente insatisfeitos com as mudanças, interpretação confirmada por Siegfried Kracauer, um renomado historiador do cinema alemão, em seu livro De Caligari a Hitler. Entretanto, é possível dizer que as alterações acabaram, por vias transversas, contribuindo decisivamente para a fantasmagoria expressionista que emana da fita. O que seria o olhar "naturalista" de um homem sobre o problema da autoridade, transformou-se nas visões subjetivas e abstratas de um louco, que desvela o Real através da essência absoluta escondida pelas "névoas" da visão objetiva. O que interessa ao expressionista não é a manifestação "realista" particular de um evento, mas o caráter eterno deste evento, que somente a abstração do sensível pode descobrir. Os aparentes delírios de um "louco" provavelmente acabaram por revelar o absurdo da autoridade de uma maneira muito mais incisiva do que por intermédio de uma acusação, digamos, "ideológica". O trabalho do diretor de produção Rudolf Meinert, do cenógrafo Herman Warm, e dos pintores contratados por ele, Walter Röhrig e Walter Reimann, consolidou definitivamente a concepção radicalmente expressionista que conduz o filme.

O enredo de O Gabinete do Dr. Caligari é, resumidamente, o seguinte: o filme abre com dois homens muito pálidos, um moço e um mais velho, sentados no banco de um parque. Eles trocam entre si relatos insólitos. O mais jovem começa a contar uma história fantástica ocorrida na pequena vila medieval de Holstenwall. Somos transportados então para um pequeno e bizarro vilarejo, onde acompanhamos os passos vacilantes de um homem estranho, com uma capa negra e uma cartola. É o Doutor Caligari (Werner Krauss). Ele se encaminha para a prefeitura, onde consegue autorização para realizar seu espetáculo na feira de variedades da cidade. O show na apresentação das habilidades psíquicas de Cesare (Conrad Veidt), um sonâmbulo de corpo esguio, vestido com uma malha negra, e que vive em estado de animação suspensa. Na mesma noite, um funcionário público de Holstenwall é esfaqueado até a morte em sua cama.
No dia seguinte, dois jovens amigos, Francis (Friedrich Feher) e Alan (Hans Heinz von Twardowski), se dirigem para a feira à procura de diversão. Atraídos pela ruidosa propaganda de Caligari, acabam por entrar em sua tenda. Um público compacto observa o palco, que exibe uma espécie de caixão que abriga Cesare. Caligari proclama que o sonâmbulo é capaz de prever o futuro, pedindo que voluntários façam perguntas. Imediatamente, Alan se levanta e pergunta: "até quando vou viver?" Cesare, sem hesitação, responde: "até a madrugada".
Consternados, os amigos se retiram e encontram a bela Jane (Lil Dagover), pela qual ambos estão apaixonados, e ficam um pouco mais aliviados. Na hora prevista, todavia, a profecia se cumpre: Cesare invade a casa de Alan e o mata a facadas. Pela manhã, Francis descobre o crime e, indignado, vai até a delegacia da cidade acompanhado pelo pai de Jane (Rudolf Lettinger). A polícia não concede muito crédito às suspeitas do jovem a respeito de Caligari e Cesare, mas decide investigar o caso. Nesse meio tempo, o assassino da noite anterior (Rudolf Klein-Rogge, consagrado posteriormente por suas sucessivas encarnações como Dr. Mabuse) é capturado. Para a polícia, os dois crimes estão resolvidos: o homem detido é o autor de ambos. Entretanto, Klein-Rogge apenas admite o primeiro crime.
Indo a procura de Francis e de seu pai, Jane encontra Caligari, que a convida a entrar em sua tenda. Aterrada com o olhar lancinante de Cesare, ela foge em uma carreira desabalada. Algumas cenas mais tarde, o zumbi vai até a casa de Jane e se dirige para sua cama portando uma longa adaga. Cesare, no entanto, extasiado pela beleza da moça, hesita e acaba por desistir de seu intento. Nesse momento, ela acorda e grita de pavor. Cesare agarra Jane e a carrega através dos telhados recortados e vielas tortuosas da vila. Perseguido pelos habitantes de Holstenwall, o sonâmbulo larga sua presa, e, pouco depois, exausto, cai em um poço e morre.
Caligari foge da cidade, e Francis sai em seu encalço. A perseguição o conduz a um asilo de doentes mentais, onde perde a trilha. Ele pergunta aos funcionários do hospital sobre a existência de algum paciente chamado Caligari, que é, no entanto, referido como o diretor do asilo. Francis entra no escritório do médico e descobre que realmente se trata de Caligari. O jovem convence outros médicos de que sua história é verdadeira. À noite, o grupo resolve então investigar os papéis de Caligari e descobre um diário com suas anotações, onde o médico detalha o seu plano maligno.

Caligari estava obcecado com o trabalho de um místico italiano do século XVIII com o mesmo nome, com o objetivo de provar que a mente de um sonâmbulo poderia ser controlada por outros. Quando um paciente com essa condição é trazido para o asilo, o médico decide tornar-se Caligari e completar sua missão. A investigação de Francis e de seus aliados é interrompida por um morador da vila, que lhes traz a notícia de que o corpo de Cesare foi encontrado. Na manhã seguinte, Francis e o grupo de médicos apresenta o corpo do sonâmbulo à Caligari. Enlouquecido de dor, Caligari se precipita sobre o corpo de seu discípulo, e, furioso, ataca o grupo. Os enfermeiros conseguem prende-lo em uma camisa-de-força, e Caligari é levado para uma cela.
Somos conduzidos, então, novamente para a cena de abertura, enquanto Francis termina de contar sua história para o velho. Torna-se patente que o banco onde ambos estão sentados está localizado no pátio do asilo de loucos. Jane está sentada olhando fixamente para o céu, e Cesare pode ser visto caminhando entre outros internos, segurando gentilmente uma flor em sua mão. Das arcadas do prédio sai então Caligari, diretor do asilo. Quando Francis o contempla, se levanta sobressaltado e tenta atacar o médico gritando: "ele é Caligari!!". Rapidamente, Francis e dominado pelos enfermeiros e posto numa camisa-de-força. Caligari, examinando o paciente, afirma: "finalmente eu entendi a natureza desta insanidade. Ele pensa que sou o antigo místico Caligari. Agora vejo como poderei traze-lo de volta para a sanidade", com o rosto se contorcendo num esgar sinistro, num final inquietante, e sobremaneira ambíguo.

A seqüência final do filme, que, de acordo com o ponto de vista de Kracauer e outros estudiosos, reduziria a trama aos delírios absurdos de um louco, talvez não tenha sido integralmente compreendida. Caligari não deixa de ser um tirano enlouquecido pelo poder apenas porque é visto como tal por um insano. A obsessão "raskolnikoviana" de cometer o crime perfeito, que anima Caligari, é desmascarada pela mente que vive na irrealidade. A tirania de Caligari se reafirma através das visões subjetivas de Francis, que, rejeitando o discurso da normalidade naturalista do encadeamento lógico, revela o absoluto cruel e desumano do médico. O desespero metafísico do expressionista reside justamente no fato de que seu discurso não pode mais ser articulado racionalmente e, por causa disso, é apenas parcialmente decodificável. Contudo, através das névoas do vago, do indistinto, da abstração irreal da realidade, Francis atinge o âmago de Caligari. Sua narrativa "fictícia" pode ser entendida como uma profunda intuição profética do destino, característica marcante da visão de mundo expressionista.

A criação desta atmosfera de pesadelo jamais teria sido possível, contudo, sem o suporte decisivo de uma bem resolvida concepção estética expressionista. Em Caligari, a cenografia expressionista conseguiu, com rara felicidade, evocar a fisionomia latente de uma pequena aldeia medieval, com ruelas tortuosas e escuras, passagens estreitas espremidas entre casas arruinadas. As linhas e planos tortuosos, oblíquos e abruptos do cenário provocam no público um efeito muito diverso do que o que seria logrado por uma composição visual harmônica. Os planos são inclinados, janelas são mais largas na parte de cima do que na base, portas deslocadas se abrem alucinadamente. A soma destas imagens expressionistas representa um mundo "interior", uma construção mental que nega a realidade objetiva. A visão de perspectivas falseadas e imprevisíveis, de formas distorcidas, e a consciente intenção de evitar linhas verticais e horizontais, despertam no espectador os sentimentos de insegurança, inquietação e desconforto. Os figurinos usados pelos atores, os móveis e os demais objetos cênicos se incorporam fielmente a esta concepção. As personagens, por conseguinte, movem-se num universo que lhes é sempre incômodo e traiçoeiro, à exceção de Caligari e Cesare, mentores deste mundo. Diante da exaltação patética que paira sobre o cenário sintético de Caligari, o estilhaçamento das certezas psíquicas parece inevitável. As casas apenas esboçadas no viés de uma ruela parecem de fato sacudidas por uma extraordinária vida interior.
Eisner afirma que esta sensação não advém apenas do insólito dom de animar os objetos que possuem os alemães. Na sintaxe do idioma alemão, os objetos têm vida ativa, empregando-se, para falar deles, verbos e adjetivos que servem para os seres vivos. Muito antes do expressionismo, a animação do inorgânico já havia sido levada a extremos. Em 1879, o escritor alemão Friedrich Vischer, nos revela Eisner, em seu romance Auch Einer fala com muita seriedade da "perfídia do objeto", que espreita com alegria maligna nossos esforços para domina-lo. Na radicalização deste processo levada a cabo pelo expressionismo, a misteriosa agitação do inorgânico se agiganta e passa a misturar pessoas e objetos. No romance O Golem (1912), referido também por Eisner, obra de Gustav Meyrink, as casas do gueto de Praga parecem adquirir uma vida cruel e hostil ao anoitecer, "quando a névoa das noites de outono estagna nas ruas e vela seu imperceptível esgar". Ao cair do sol, as casas, que durante o dia haviam cedido energia vital a seus débeis habitantes, reclamam com juros a vida dada a seus moradores irreais: "as paredes retesam-se como faces dissimuladas, cheias de indizível maldade; as portas tornam-se bocas escancaradas e gargantas capazes de lançar apelos estridentes".
As imagens de Caligari são como reflexos em espelhos deformantes. Todas as expectativas são invertidas. A fotografia, assumida por Willy Rameister, de um claro/escuro de contrastes violentos, acentua ainda mais esse processo de inversão. O abstração solipsista da mente expressionista é retratada por uma cenografia de perspectivas inusitadas e inviesadas, fortemente anti-realistas, numa intenção estética onírica e sobrenatural. É instrutivo o cotejo entre clássicos do cinema de horror norte-americano como Frankenstein, de James Whale, ou o primeiro Dracula, de Tod Browning, ambos de 1931, com as obras-primas do expressionismo alemão. Por que, como disse um crítico de cinema americano, o Dracula de Browning se assemelha a um desenho de Walt Disney se comparado a um filme como o Caligari ou o Nosferatu (1922) de Friedrich Wilhelm Murnau? Por que, como disse o crítico húngaro Bela Balázs a respeito filme de Murnau, sentimos a "emanação de sopros glaciais do além"? A resposta reside no conservadorismo estético do primeiro exemplo e na ousadia formal dos dois filmes alemães. A estética do cinema de horror americano dos anos 30, convencional, realista e acadêmica, jamais conseguiu provocar a mesma sorte de sensações aterrorizantes que a espectral estética expressionista. Retornando a termos anteriormente desenvolvidos: O Dracula de Browning "vê" e o Caligari tem "visões". A tendência do expressionismo em ver a realidade como reflexos deformados no espelho do inconsciente, já pode ser, inclusive, encontrada em certos autores do romantismo alemão. Conforme exemplifica Eisner, Tieck, em seu famoso romance-de-formação William Lowell, descreve a impressão de um universo flutuante e impreciso: "as ruas me aparecem então como fileiras de casas disformes, com moradores loucos".

A interpretação dos atores é também determinada pela estilização expressionista do cenário, fato notável, sobretudo, nas magníficas atuações de Krauss como Caligari e de Veidt como Cesare, que comportam-se como se pertencessem a esse mundo estranho. Suas ações parecem ser comandadas por forças ocultas que controlam seu destino. Seres da sombra, Cesare e Caligari vivem num universo paralelo, onde os dados objetivos da realidade não fazem mais sentido. As atitudes intermediárias, os movimentos naturais são evitados, substituídos por gestos escarpados, abruptos, que permanecem bruscos como os ângulos quebrados do cenário. Veidt se move lentamente, como um autômato, deslizando pelas paredes, enquanto Krauss está sempre curvado, em ângulo agudo, e caminha em passos curtos e precisos, acentuados pelo uso de uma bengala. As expressões faciais habituais são trocadas por um maneirismo cheio de significados místicos. As personagens de Cesare e Caligari são perfeitamente adequadas à concepção expressionista: o sonâmbulo, destituído de toda individualidade, isolado da vida cotidiana, criatura abstrata do inconsciente, mata sem motivo e lógica, enquanto seu mestre, que não possui sombra de escrúpulo humano, se considera acima do bem e do mal, e, implacável, é motivado por desígnios obscuros e impenetráveis.

O cinema expressionista alemão, em sua estetização radical dos paradigmas espirituais do expressionismo, atingiu um grau máximo de abstração do universo real, de desconstrução da realidade sensorial e dos dados objetivos da consciência. Os elementos essenciais do expressionismo só conseguiram sua realização definitiva por intermédio de uma nova arte, o domínio da imagem em movimento, que deu vida a um mundo paralelo, povoado por visões subjetivas, misteriosas agitações do inorgânico e profecias inquietantes sobre uma nova era, a aurora da modernidade.

Sujidade e Sabedoria - Madonna (22 de Outubro, 21h30, AMAC)

2009-10-15T00:11:00.005+01:00

Ficha Técnica

Título Original: Filth and Wisdom

Realizador: Madonna

Ano: 2008

Países: Reino Unido

Duração: 81 min.

Classificação: M/16

Sites: IMDB | PTGate

Crítica

"Quando morrer, irei directamente para o céu. E vais questionar-me porquê. Tentei o suficiente? Não. Partilhei o suficiente? Nem por isso. Fui suficientemente humilde? Definitivamente, não. 'O que te faz então estar tão seguro de que irás para o céu?', perguntarás. E eu dir-te-ei: porque eu disse a verdade." Quem nos brinda com tal sainete, cigarro numa mão, garrafa de cerveja na outra, e em grande plano, é o líder carismático da banda nova-iorquina Gogol Bordello, Eugene Hütz, amigo de Madonna e, nota-se logo, mal ele abre a boca, ucraniano de gema. É uma criatura e peras. Uma daquelas que, apesar da sua queda para o grotesco, poderia jurar pela alma da mãe que é o tipo mais genuíno do mundo. A quem se dirige ele naquele diálogo, muitos dirão, de bradar aos céus, e que parece vir do além? A Deus? Ao espectador? A ambos, provavelmente. Mas pouco importa, que a coisa não se quer muito séria. Nem intelectual. Um aspecto, contudo, parece-nos certo: não é Eugene, nem a sua personagem (já falamos mais dela) que nos dirige a palavra naquela espécie de confessionário "Big Brother". Quem a nós se dirige é a autora deste filme, aquela a que outrora chamaram de material girl, Madonna .

Resolveu fazer um filme, a Maddy . Estreou em Berlim 2008 e caiu agora nas salas portuguesas, um pouco de pára-quedas, sem que ninguém estivesse à espera. Talvez não haja nem muita sujidade nem muita sabedoria aqui, mas é preciso, desde já, sublinhar uma coisa: "Filth and Wisdom" (no original) é tudo menos um filme de meias-tintas. Não deixará ninguém indiferente. E trata-se ainda, ideia que tentaremos defender, de um filme raro pelo modo como ataca o género autobiográfico no cinema contemporâneo.

Mas antes de entrar no filme, queremos fazer um desvio e falar dela, da Ciccone, que 'veio cá de baixo' e subiu a pulso, para nos ficarmos por essa parte do corpo, até à sua coroação de 'rainha da pop' à escala terrestre. Se a música lhe foi generosa como a nenhuma outra artista da sua geração, o cinema, nem por isso. Madonna, como tantas outras, tentou no cinema uma carreira paralela aos seus êxitos colossais na indústria discográfica, uma carreira que fixasse no celulóide a extraordinária bailarina que ela também é, mas nem na sua boom decade, a dos anos 80, o cinema lhe foi grato.

Muitos se lembrarão ainda de "Desesperadamente Procurando Susana" (de 1985, realizado por Susan Seidelman), nos tempos em que a cantora era casada com Sean Penn, e Lloyd Cole, cínico imparável, chamava a este último o "Mr. Madonna". Muitos se lembrarão também do simpático, mas nada mais do que isso, "Who's That Girl" (1987, de James Foley), que também foi título de um dos seus maiores êxitos, e sobretudo de "Dick Tracy" (1990), em que Madonna 'flirtou' com Warren Beatty nesse pulp movie. Depois, já anos 90 a dentro, veio o filme com ela de que mais gostamos, o único em que a cantora e actriz conseguiu ser como se queria ver - a si própria -, e que é um documentário, "Na Cama com Madonna". Veio a aventura de basebol ("Liga de Mulheres", pela mão de Penny Marshall), um delírio musical que encheu o olho ("Evita" de Alan Parker) e mais um punhado de títulos. Que não fizeram história. É que Hollywood já tinha a sua loura para os anos 90: chamava-se Sharon Stone. Madonna, com menos 10 centímetros, era demasiado mignone para a competição. De Stone, nada tinha, e todos sabemos bem o que ela recordava: era Marilyn.

Aquela que foi testemunho e, em simultâneo, epitáfio do velho star system cinematográfico, quando as stars ainda eram intocáveis. E faziam chorar. Só que Marilyn, para além do cinema, foi canonizada pela pop art de Andy Warhol. E Madonna? Pela MTV. Isto faz toda a diferença. Nos tempos de Madonna, os tempos do vídeo, já não havia stars como a que ela poderia ter sido. Chegou tarde de mais. Ou seja, tudo o que cinema lhe deu só lhe foi prejudicial.

Porém, em 1987, o mundo inteiro perguntava: "Who's that girl?" Vinte e dois anos depois, talvez "Sujidade & Sabedoria" nos dê a resposta. E foi quase em segredo, sem qualquer pressão mediática, que Madonna se atirou para esta ficção pessoal e intimista que, afinal, só fala dela, por portas travessas. Madonna não aparece no ecrã. Na Londres que escolheu para viver, procurou os bas-fonds ideais para recriar aqueles tempos açucarados de 'Like a Virgin' que a deram a conhecer ao mundo a bordo de uma gôndola pelos canais de Veneza. E voltamos a Eugene Hütz, que, de Madonna, é afinal uma espécie de alter-ego eufórico. Filme de amigos, este? Também, só podia sê-lo.

Em "Sujidade & Sabedoria", a personagem de Eugene, A.K., é um imigrante ucraniano. Quer ser vedeta internacional do cançonetismo cigano-punk. Enquanto não chega o estrelato, ganha a vida como gigolo sado-masoquista. A.K. divide o apartamento com duas raparigas, Holly (Holly Weston, uma estreante) e Juliette (Vicky McClure, que já conhecíamos dos filmes de Shane Meadows). Completa-se com elas o trio de losers à procura de um lugar ao sol: Holly quer ser bailarina clássica mas é forçada a trabalhar num bar de striptease; Juliette sonha em salvar crianças órfãs em África mas, longe das missões de caridade, não consegue mais do que um trabalho precário numa farmácia em que sensibiliza os clientes para a bondosa causa. Todos eles, A.K., Holly e Juliette querem fazer dos sonhos realidade, num filme coral que, como já se disse, é mais permeável ao grotesco do que ao burlesco.

O trash e o stress entranham-se, contudo. Misturam-se o sexo, a música (dos Gogol Bordello, de Hütz, que não é para todos os gostos...), o misticismo de pacotilha e a ambição material, num ambiente um bocado circense e ingénuo, donde Madonna retira a sua sentença moral: "Tens que sofrer bastante se queres ser alguém na vida." É a sua própria experiência que ecoa no filme a cada fotograma. E o resultado cinematográfico, se não é brilhante, é pelo menos alheio ao conformismo.

Modéstia é coisa que não rima com Madonna. Quando ela declarou, em Berlim, no ano passado, que "sempre fui inspirada pelos filmes de Godard, Visconti e Fellini..." só podemos sorrir. Mas Madonna disse mais: "...espero realizar um dia qualquer coisa que se aproxime destes génios". Ao dizer tal coisa, ela sabe que não tem um grande filme nas mãos para defender. E tanto melhor assim, pois é esta sinceridade que nos interessa. Passamos a vida inteira a ver biopics heróicos. Que haja pelo menos um, e logo travestido, a assumir o contrário - que a vida, por vezes, também é uma merda.

"Sujidade & Sabedoria" é um filme de caprichos e de estereótipos suaves. Todos eles tratados com uma afectividade e uma atenção inesperadas da parte de alguém que está hoje nos píncaros do céu e não esqueceu o inferno, como Madonna. Não pensamos só nos três heróis do filme, mas em todo aquele meio londrino sarcástico, recheado de bailarinas strip e de intelectuais literários, imigrantes indianos, judeus, ciganos e homossexuais refinados a toques de Oscar Wilde, todos eles caricaturas alinhavadas num filme de vinhetas, quase sempre desequilibradas. Aquilo parece tudo um sonho molhado, ou uma comédia non sense, como as de Richard Lester dos anos 70.

No fundo, "Sujidade & Sabedoria" é o filme definitivo sobre a persona de Madonna e, em simultâneo, o filme do seu próprio escárnio. Tudo é paradoxal, veja-se a 'sujidade' e a 'sabedoria', e onde não há a primeira, não pode haver a segunda, diz-nos Hütz, deitado na banheira, a recitar os seus nacos de prosa. Como dizia Madonna (no 'Into the Groove'), "at night I lock the doors where no one else can see", mas nem frase tão cinematográfica lhe bastou para que ela vingasse no cinema, como Marilyn. Nem a sua vida foi, felizmente para ela, vale de lágrimas que se comparasse. Madonna pode até estar segura, like a prayer, que o céu está à sua espera. Pela primeira vez, sem aparecer no ecrã, conseguiu expor o preço que pagou pelo seu êxito, esse true blue que é o testemunho do seu tempo e das estrelas desencantadas que dizem fuck, doces por fora e amargas por dentro, porque este filme não fala de outra coisa. E é isso que o torna comovente.

Franciso Ferreira, Expresso

Estamos quase de volta

2009-09-30T20:13:00.003+01:00

As actividades do Cine Clube estão quase de volta. As projecções regulares no Auditório Municipal Augusto Cabrita retomam a 15 de Outubro. Até lá será divulgada a programação definitiva para o trimestre de Outubro a Dezembro. Este trimestre incluirá programação alusiva ao mês da Música e uma projecção de um filme musicado ao vivo. Estejam atentos ao calendário ;)

Até lá!

4 Curtas 4 Músicos

2009-07-28T22:59:00.004+01:00

No próximo sábado dia 1 de Agosto vai-se realizar a segunda edição de "4 Curtas 4 Músicas", onde quatro curta-metragens serão projectadas com música ao vivo. Esta edição conta com o apoio do Out.fest e está inserido na programação das Noites do Parques Vivos 2009. Relativamente aos músicos:

Frango
www.myspace.com/frangofrango

Os Frango são um dos mais entusiasmantes colectivos a fazer vibrar os meandros da música marginal feita no nosso burgo. Em actividade constante desde 2004, têm sofrido várias mutações no seu seio até chegarem a 2009 assumindo o formato de duo permanentemente aberto á colaboração (em 2008, gravaram e actuaram com, entre outros, Sei Miguel e Fala Mariam, o duo italiano Jooklo, de Virgina Genta e David Vanzan, e com os americanos Chris Corsano e Andrew Barker). Pelo caminho foram lançando uma série de edições que lhes têm valido um estatuto muito especial entre o meio. Cada concerto dos Frango é uma surpresa, mas a presente fase do grupo promete uma actuação a roçar os meandros da kosmiche musik e do kraut-rock mais ambiental e planante.
Para a noite dos Parques Vivos está em estudo uma performance com vídeo improvisado em tempo real por Pedro Maia (P.Ma) www.myspace.com/ppmmaa, artista visual sediado em Vila do Conde cujo trabalho se baseia na utilização de feedback vídeo, e que colaborou já com nomes como Thomas Brinkmann, Phoebus, Lobster ou Coclea.

Manuel Gião
www.myspace.com/manuelgiao

Guitarrista, designer, artista visual e modificador de instrumentos com sede de operações no Barreiro, com um trabalho musical influenciado pelos primórdios da música industrial, pelo free-jazz, pelo drone e rock mais abstracto. Foi elemento fundador do trio October, depois transmutado no duo Debut, e também participou no cometa que foi o trio tribal-futurista Sapien Sapiens.

Somália
www.myspace.com/macumbafree

Duo conimbricense de Manuel Pereira e Bruno Silva, ambos integrantes de projectos meritórios da música exploratória em Portugal, como sejam os casos dos Josué O Salvador Em Busca Da Perdição ou os Osso. Enquanto Somália, embarcam numa viagem a bordo de loops e cassetes pré-gravadas, que são manipuladas e transmutadas à exaustão num processo de depuramento e encantamento sónico que vai frequentemente desaguar a sons e ambientes que remetem para a música realística das costas africana e asiática do Índico ou do Pacífico, via extremo-oriente.
Para a actuação nos Parques Vivos irão actuar sobre curtas-metragens realizadas pelo próprio Manuel Pereira.

Gala Drop
www.myspace.com/galadrop

Talvez a maior sensação, a par com os Aquaparque, da nova música portuguesa de colheita experimental e desapegada de fórmulas, com os olhos postos no futuro e na transgressão total de géneros e rótulos. Praticam uma mistura transcendente onde se podem detectar ecos de dub, de kraut-rock, de tropicalismo, mas sem cânones de qualquer espécie. Desde o lançamento do seu primeiro álbum, homónimo, em Setembro de 2008 que têm coleccionado excelentes e merecidas críticas quer da imprensa especializada quer do público, tanto dentro como fora de portas. Fizeram já uma tour europeia com os nova-iorquinos Religious Knives, e preparam para Setembro uma tour pela Grã-Bretanha. Estarão presentes em Julho no festival “Próximo Futuro” organizado pela Fundação Calouste Gulbenkian.
Para a noite dos Parques Vivos propõem uma actuação sobre vídeos de Alexandre Estrela, numa continuação de um trabalho iniciado com a realização, por parte deste, do video-clip do tema “Crystals”.

À Beira do Abismo - Howard Hanks (30 de Julho, 21h30, Convento da Verderna)

2009-07-26T22:40:00.007+01:00

Ficha Técnica

Título Original: The Big Sleep

Realizador: Howard Hanks

Ano: 1946

Países: EUA

Duração: 114 min.

Classificação: M/12

Sites: IMDB | PTGate

Sinopse

Um simples caso de chantagem descambou numa série de homicídios por desvendar. Mas o famoso detective Philip Marlowe (Humphrey Bogart) sabe o que todos eles têm em comum: Carmen Sternwood (Martha Vickers) - uma rica e debochada jovem - e a sua irmã mais velha, Vivian (Lauren Bacall). Estas belas senhoras farão qualquer coisa para manterem os seus sombrios segredos bem escondidos. Mas será que isso inclui assassinarem Marlowe se ele se aproximar demais da verdade?

Neste conhecido filme de 1946, o realizador Howard Hawks apresenta-nos poderosos encontros de estrelas (particularmente as cenas que mostram a escaldante química de Bogart/Bacall) num ritmo frenético e galopante.

Notas: Esta projecção está integrada na programação "Noites dos Parques Vivos". A exibição é feita no exterior do Convento da Verderena e a entrada é gratuíta.

Gran Torino - Clint Eastwood (9 de Julho, 21h30m, AMAC)

2009-07-08T17:43:00.005+01:00

Ficha Técnica

Título Original: Gran Torino

Realizador: Clint Eastwood

Ano: 2008

Países: EUA / Austrália

Duração: 116 min.

Classificação: M/12

Sites: IMDB | PTGate | Oficial

Crítica

Depois de Changelling eis que Clint Eastwood nos brinda com este Grand Torino. No filme Eastwood interpreta o papel de um duro veterano da guerra da Coreia, Walter Kovalski (Clint Eastwood) que, depois da morte da mulher, se dá conta de que a comunidade onde estava inserido se modificou e agora os seus vizinhos são Hmongs, elementos de uma tribo do Sudoeste asiático que se aliou aos americanos contra os Vietcongs. Apesar de racista e xenófobo, os acontecimentos levam-no a aproximar-se de um jovem dessa comunidade, Thao (Bee Vang), da sua família e dos seus problemas, nomeadamente a sua resistência em integrar os gangs organizados de Hmongs que atacam na vizinhança. Esta resistência trará inúmeros problemas à família que de uma forma ou de outra atingem também Kovalski a um ponto que modifica toda a sua vida.

Esta personagem é o pilar sobre o qual se ergue toda a construção narrativa e a meu ver o aspecto mais positivo da obra. Duro como os duros de antigamente, preconceituoso, resistente à mudança e às investidas do padre da comunidade que, para satisfazer o último desejo da sua esposa, insiste com este para se confessar, Walter Kovalski é uma figura convincente e muito bem conseguida por Eastwood. As suas contradições, o zelo com que cuida do seu Gran Torino de ’72, a amizade que subtilmente vai desenvolvendo por Thao e pela sua família são credíveis e transformam-no certamente numa personagem que ficará marcada na memória dos espectadores. No entanto, o filme peca a meu ver pelo peso demasiado do argumento. O desenrolar dos acontecimentos, os actos de vingança e de reacção a estes, os ambientes de subúrbio degradado, pejam a história de um ambiente negro e soturno que lhe retiram verosimilhança. A vida não é necessariamente a preto e branco.

A abordagem do melting pot americano e dos conflitos gerados por esses choques culturais é interessante e abre-nos as portas para o universo de uma comunidade disseminada pelos estados unidos, os Hmongs, cujos hábitos são muito pouco conhecidos. O argumento consegue surpreender várias vezes o espectador e Eastwood está no seu melhor, ainda assim o filme não me convenceu totalmente e lembrou-me, ao contrário do que aconteceu com as obras com que nos brindou nos últimos anos, as cowboyadas do velho Oeste.

Ana Campos, Portal Cinema

Noites dos Parques Vivos (4 Julho, 21h00m, Av. Bento Gonçalves)

2009-07-01T12:09:00.005+01:00

No final dos anos 20, Charles Dekeukeleire e Henri Storck descobriram o seu meio: o documentário, acabando ambos por afirmar-se como cineastas de sucesso.
Todavia, as suas estreias foram marcadas pela experimentação e pela procura de um “cinema puro”.
Juntamente com surrealistas de circunstância, como Henri d’Ursel e Ernst Moerman, eles constituíram a primeira vanguarda do cinema Belga

Pedimos à Escola de Jazz do Barreiro que criasse a música para alguns dos filmes destes realizadores.
Obras pouco conhecidas, de uma cinematografia pouco divulgada, mas de uma particular beleza.

O resultado poderá ser visto e ouvido no próximo sábado, 4 de Julho, pelas 21h30m, na Av. Bento Gonçalves, junto ao polidesportivo.

Pelas 21h00m, antes do inicio da projecção, será assinado um protocolo entre o Cine Clube e a Câmara Municipal do Barreiro visando o tratamento de todo o arquivo documental do Cine Clube.

Tempos de Verão - Olivier Assayas (2 Julho, 21h30m, AMAC)

2009-06-29T15:31:00.003+01:00

Será que existe — isto é, que continua a existir — um cinema francês que não tenha perdido o contacto com o seu imenso património romanesco, eventualmente romântico, alicerçado nas filmografias exemplares de autores como Jean Renoir (1894-1979) ou Max Ophuls (1902-1957)?

Se dúvidas houvesse, o novo e belíssimo filme de Olivier Assayas, "Tempos de Verão" ("L'Heure d'Été" no original), bastaria para as dissipar. Eis-nos perante um princípio fundamental desse romanesco: o de manter uma atenção obsessiva às convulsões afectivas, nomeadamente familiares, sem perder de vista uma dimensão realista de retrato social.

O pressuposto central de "Tempos de Verão" passa pela curta existência (enquanto presença física) da personagem da mãe, interpretada por Edith Scob. Assim, depois de uma cena de abertura em que a conhecemos, acompanhada dos seus três filhos (Charles Berling, Juliette Binoche e Jérémie Renier), o filme confronta-nos com uma elipse desconcertante — na cena seguinte, a mãe morreu e os filhos começam a ter que lidar com a sua herança, de uma só vez financeira e emocional.

Na prática, aquilo que interessa Assayas pouco ou nada tem a ver com as "peripécias" da história, entendidas como episódios mais ou menos anedóticos da vida de cada um (não há, aqui, nada de telenovelesco). Trata-se de filmar as paisagens sentimentais onde terá lugar o bizarro processo de revelação — individual e familiar — que a morte instala.

Dito de outro modo: "Tempos de Verão" é um filme sobre o metódico, por vezes cruel, mas sempre sereno, trabalho de luto.

Na trajectória criativa de Assayas, este é também um regresso ao fulgor de alguns dos seus primeiros filmes, incluindo "Désordre" (1986) e "L'Enfant de l'Hiver" (1989). Depois de uma passagem pouco feliz por um cinema banalmente "americanizado" — lembremos o caso desastroso de "Demonlover" (2002) —, Assayas está exactamente com as suas personagens principais: empreendeu um salutar regresso às origens.

Cine Clube do Barreiro é Barreiro Reconhecido na área da Cultura

2009-06-26T11:26:00.001+01:00

A Câmara Municipal do Barreiro deliberou atribuir ao Cine Clube do Barreiro o galardão Barreiro Reconhecido na área da Cultura.
Acreditamos que esta decisão, que recebemos com enorme alegria – cientes das responsabilidades acrescidas que acarreta –, traduz tanto o reconhecimento pelos 50 anos ininterruptos de actividade cineclubista no Barreiro, como a acção que o Cine Clube do Barreiro vem continuamente desenvolvendo – através de parcerias, da programação e exibição de cinema ou de acções de formação, entre outros – com o objectivo de intervir directamente no Barreiro, na sua vida, nas suas gentes e nas suas dinâmicas culturais.
Este galardão é património de todos os sócios do Cine Clube do Barreiro que, durante 50 anos, contribuíram para a consolidação deste projecto.
A todos eles os nossos agradecimentos.

A cerimónia de entrega dos galardões Barreiro Reconhecido decorrerá no próximo dia 28 de Junho, a partir das 21h, na Rua Miguel Bombarda, junto ao edifício dos Paços do Concelho.

Paris 36 - Cristophe Barratier (25 Junho, 21h30m, AMAC)

2009-06-25T09:35:00.004+01:00

Primavera 1936, a Norte de Paris, na periferia a que todos chamam simplesmente de Faubourg, a vida dos habitantes locais sofre algumas mudanças. Com o partido Frente Popular a ganhar as eleições e a prometer aprovar a lei das férias pagas, faz entusiasmar todos os trabalhadores… Mas essa alegria não é partilhada por três amigos do "show business" de Faubourg, porque Chansonia, o "music hall" onde trabalham, chega ao fim, deixando-os desempregados. Cada um tem motivos diferentes, mas todos eles partilham o mesmo sonho: encontrar um caminho para as suas vidas, nem que seja fazer com que "Chansonia" "renasça das cinzas"…

Fome - Steve McQueen (11 de Junho, 21h30, AMAC)

2009-06-09T21:39:00.004+01:00

Ficha Técnica

Título Original: Hunger

Realizadores: Steve McQueen

Ano: 2008

País: Reino Unido/Irlanda

Duração: 96 min.

Classificação: M/16

Sites: IMDB | PTGate

Sinopse

Prisão de Maze, Belfast, Irlanda do Norte, 1981. Bobby Sands é um activista do IRA que começa uma greve de fome contra o tratamento que dão aos prisioneiros. Sands, que morreria pouco tempo depois, vítima de ataque cardíaco, tenta conseguir para os activistas do IRA o estatuto de presos políticos e acaba por se transformar num símbolo da luta armada do grupo.

Steve McQueen recria a história, questionando as noções de mártir e herói. "Fome" é o primeiro filme do artista plástico britânico que ganhou o Turner em 1999 e que conquistou em Cannes, onde o filme foi apresentado na secção Un Certain Regard, a Caméra d'Or, troféu que distingue a melhor primeira obra apresentada no festival.

Sonic Youth, Sleeping Nights Awake | Musical Brotherwoods From The Trans-Saharan Highway (28 de Maio, 21h30, AMAC)

2009-05-28T13:41:00.005+01:00

Sonic Youth, Sleeping Nights Awake

Realizadores: Project Moonshine

Ano: 2007

País: EUA

Duração: 82 min.

Sites: Oficial

Musical Brotherhoods From The Trans-Saharan Highway

Realizador: Hisham Mayet

Ano: 2005

País: Marrocos/EUA

Duração: 60 min.

Sites: AllMovie

Projecção inserida na programação do Out.fest 2009: Festival Internacional de Musica Exploratória do Barreiro.

Nota: ambos os filmes são falados em inglês sem legendas.

Patti Smith: Dream of Life - Steven Sebring (21 de Maio, 21h30, AMAC)

2009-05-19T23:51:00.007+01:00

Ficha Técnica

Título Original: Patti Smith: Dream of Life

Realizadores: Steven Sebring

Ano: 2008

País: EUA

Duração: 109 min.

Classificação: n/d

Sites: IMDB | PTGate | Oficial

Crítica

Este filme-documentário de Sebring não é, como se poderia julgar, um retrato biográfico da rainha do punk rock. Em Dream of Life, obra homónima do álbum lançado pela artista em 1988, o realizador apresenta-nos num registo muito depurado os processos criativos desta cantora, poetisa e pintora.

Filmado durante cerca de onze anos, o documentário, feito quase na totalidade a preto e branco, resume a biografia de Patti aos primeiros três minutos e mesmo assim não o faz exaustivamente. O tempo restante do filme apresenta-nos tanto quanto é possível o mundo interior da poetisa, os seus objectos especiais, incluindo a urna persa onde guarda algumas das cinzas do seu marido, a sua poesia, a música, a pintura, a família chegada e os amigos. Muito poucas são as imagens que apresentam Patti em palco, pelo contrário preferiu-se o background, os momentos de pausa e de composição. Patti lê muitas das suas poesias e letras de músicas, conta como as escreveu e porquê, fala do seu activismo político sobretudo na luta contra o governo de George W. Bush, conta anedotas, pormenores e fala-nos de livros.

Durante o filme pensei por diversas vezes se aquele seria um filme com qualidade se a qualidade não seria a que Patti Smith lhe conferia, mas simultaneamente não me apetecia sair dali. Queria saber mais sobre aquela mulher, conviver com ela durante mais um pouco. O filme tem esse mérito, as figuras que nele intervêm não se representam de forma alguma, falam simplesmente como quem já se habituou a ser acompanhado por uma câmara durante anos mas também não fingem naturalidade, eles criam um filme que é a amostragem ao mundo da vida criativa de Patti Smith.

Dada as características absolutamente completas desta mulher, e lembrando-nos nós que, apesar da importância fundamental que teve no rock, ainda não conseguiu votos suficientes para integrar o Rock and Roll Hall of Fame, sabe bem ver uma homenagem tão justa como esta ser feita ainda em vida da cantora. Para além deste aspecto, o filme vale também pelo modo como faz sobressair este lado feminino, profundo e intelectual que Patti Smith conseguiu conferir ao rock.

Ana Campos, Portal Cinema

Projecção inserida na programação do Out.fest 2009: Festival Internacional de Música Exploratória do Barreiro.

Noisy People: Improvising a Musical Life - Tim Perkins (20 de Maio, 22h00, Sede do CineClube)

2009-05-19T23:32:00.004+01:00

Ficha Técnica

Realizador: Tim Perkins

Ano: 2007

País: EUA

Duração: 73 min.

Sinopse

Olhar apaixonado e apaixonante sobre a fértil cena experimental e improvisada de São Francisco. Captadas durante um ano por Tim Perkins (também ele uma figura proeminente no meio) as figuras representadas (onde se incluem nomes como George Cremachi ou Fred Frith e uma aparição feliz de Anthony Braxton) mostram-se no seu quotidiano (em filmagens da sala de ensaios e de performances), longe dos olhares mercantilistas e epitomizando "mecanismos" de funcionamento fundamentados na genuinidade do mosaico da Bay Area. Homenagem à pureza da música como forma de expressão absoluta em estado bruto, sentida como necessidade vital.

Projecção inserida na programação do Out.fest 2009: Festival Internacional de Musica Exploratória do Barreiro.

Nota: filme em inglês sem legendas.

Nu Bai - O Rap Negro de Lisboa - Otávio Raposo (14 de Maio, 21h30, AMAC)

2009-05-11T23:17:00.004+01:00

Ficha Técnica

Título Original: Nu Bai - O Rap Negro de Lisboa

Realizador: Otávio Raposo

Ano: 2006

País: Portugal

Duração: 65 min.

Classificação: n/d

Sinopse

'Hip Hop é intervenção. O meu objectivo não é pôr ninguém a dançar, eu quero é pôr as pessoas a pensar'', diz Jorginho, um dos oito rappers entrevistados por Otávio Ribeiro Raposo. Para construir este documentário o realizador centrou-se em três zonas da periferia de Lisboa: Cova da Moura, Arrentela e Porto Salvo. Áreas muito conhecidas quase sempre pelas piores razões, mas Otávio Ribeiro Raposo quis mostrar o outro lado de uma mesma realidade: o rap negro destes grandes aglomerados populacionais na periferia de Lisboa e que criam uma espécie de circular envolvente à capital. O Rap Negro de Lisboa é uma espécie de grito de alerta contra o racismo, a violência policial e a pobreza. O dia-a-dia da população negra. O documentário foca-se nas letras das músicas rap, no seu conteúdo intervencionista, liberta as vozes e não limita os sonhos.

Nota: o realizador estará presente na projecção.

Veneno Cura - Raquel Freire (7 de Maio, 21h30, AMAC)

2009-05-04T22:41:00.004+01:00

Ficha Técnica

Título Original: Veneno Cura

Realizadores: Raquel Freire

Ano: 2007

País: Portugal / Brasil

Duração: 90 min.

Classificação: M/16

Sites: IMDB | PTGate | Oficial

Sinopse

Há um momento em que todos nos cruzamos.
Na noite escura.
Quando perdes tudo o que há para Perder, o que é que te faz continuar?
O teu pior?
O teu melhor?
O que te impede de te atirares da ponte na primeira oportunidade?
O que és capaz de fazer para sobreviver à mais terrível das dores?
Amas com as tripas de fora.
O que és capaz de fazer por amor?
Como é que sobrevives com o coração partido?
Quanto tempo dura um sentimento?
Tem prazo?
Já morreste de amor?
Não se pode viver sem amor.
O amor salva.
O amor mata.
O amor cura.
Há um Porto onde se morre de amor.
Há um clube onde tudo é permitido.
Imperatriz.
Vem.

Bab Sebta - Frederico Lobo e Pedro Pinho (30 de Abril, 21h30, AMAC)

2009-04-27T21:57:00.007+01:00

Ficha Técnica

Título Original: Bab Septa

Realizadores: Frederico Lobo e Pedro Pinho

Ano: 2008

País: Portugal / Marrocos

Duração: 108 min.

Classificação: n/d

Sites: IMDB | Oficial

Sinopse

"Bab Septa" significa "A porta de Ceuta", que é o ponto de chegada de milhares de imigrantes africanos rumo à Europa. Os dois realizadores, Frederico Lobo e Pedro Pinho, visitaram Marrocos em 2005, quando as cenas de violência eram notícia em Ceuta, e aí nasceu a ideia de fazer o documentário.

“Nós não atravessamos fronteiras, as fronteiras atravessam-se entre nós”, é a frase de abertura dum documentário que ouve relatos de gente que persiste no sonho de chegar à Europa, mesmo depois de sucessivas detenções e deportações junto à fronteira, seja pela polícia espanhola ou marroquina.

Nas palavras dos autores, este filme "parte em contracorrente a este fluxo dirigindo-se de Norte para Sul em busca dos migrantes que atravessam o deserto – heróis nómadas dos tempos que correm, em luta contra uma abstracção: a ideia de fronteira".

O projecto de Bab Sebta começou por vencer em 2006 o Concurso de Pesquisa e Desenvolvimento do ICAM (Instituto de Cinema Audovisual e Multimedia), e em 2008 foi premiado com o prémio competição nacional do DocLisboa e com o prémio "Marseille Esperance" do Festival Internacional de Documentário de Marselha.

Bom Povo Português - Rui Simões (23 de Abril, 21h30, AMAC)

2009-04-18T19:03:00.002+01:00

Ficha Técnica

Título Original: Bom Povo Português

Realizador: Rui Simões

Ano: 1980

País: Portugal

Duração: 135 min.

Classificação: n/d

Sites: IMDB | Oficial

Sinopse

O filme procura traçar a história entre o 25 de Abril de 1974 e 25 de Novembro de 1975, tal como ela foi sentida pela equipa que, ao longo deste processo, foi ao mesmo tempo espectador, actor, participante, mas que, sobretudo, se encontrava totalmente comprometida com o processo revolucionário em curso.

Deus, Pátria, Autoridade - Rui Simões (16 de Abril, 21h30, AMAC)

2009-04-14T23:33:00.003+01:00

Ficha Técnica

Título Original: Deus, Pátria, Autoridade

Realizador: Rui Simões

Ano: 1976

País: Portugal

Duração: 110 min.

Classificação: n/d

Sites: IMDB | Oficial

Sinopse

A partir do célebre discurso de Salazar feito em 1936 o filme procura de forma didáctica mostrar os alicerces do regime fascista durante os 48 anos da sua existência até ao 25 de Abril de 1974. O funcionamento da sociedade portuguesa e a sua história desde desde 1910, a ideologia Salazarista, o apoio à Igreja, a repressão e a guerra colonial até à libertação de Abril são os temas principais.

As Operações SAAL - João Dias (9 de Abril, 21h30, AMAC)

2009-04-06T22:39:00.003+01:00

Ficha Técnica

Título Original: As Operações SAAL

Realizador: João Dias

Ano: 2007

País: Portugal

Duração: 92 min.

Classificação: M/12

Sites: PTGate

Sinopse

As OPERAÇÕES SAAL é o mais completo, abrangente e emocionalmente rico documento, de um período crítico do Pais e da sua história recente. Em 1974/75, um projecto de habitação envolveu arquitectos e população numa iniciativa única e revolucionária. Os pobres conquistavam casas, que eles próprios construíam, e a arquitectura portuguesa dava um passo ímpar na sua afirmação dentro e fora de portas.

Antestreado na Trienal de Arquitectura e no DocLisboa, onde ganhou o Prémio Midas/Distribuição para Melhor Documentário Português, AS OPERAÇÕES SAAL reuniu o aplauso de arquitectos, público e críticos.

Trinta anos depois, as memórias filmadas dos actores destes processos ajudam a entender as repercussões sociais e culturais das Operações SAAL, ao mesmo tempo que um extenso acervo documental inédito ajudará a reflectir sobre os caminhos que a arquitectura e o urbanismo têm percorrido desde essa altura.

Mas o alcance do filme abrange a problemática mais lata da participação democrática e cidadã nos destinos da sociedade. Quer enquanto dispositivo de recolha de informação, quer como registo fílmico documental, AS OPERAÇÕES SAAL é um exemplo de documentário crítico, porque os sucessivos avanços na acção – e no território – resultam de um obsessivo desejo de intromissão na verdade, contaminado de um sentido de urgência perante factos em risco de desaparecimento.

A Valsa com Bashir - Ari Folman (2 de Abril, 21h30, AMAC)

2009-03-31T00:17:00.002+01:00

Ficha Técnica

Título Original: Vals Im Bashir

Realizador: Ari Folman

Ano: 2008

País: Israel / Alemanha / França

Duração: 90 min.

Classificação: M/16

Sites: IMDB | PTGate | Oficial

Crítica

A Valsa com Bashir é a reconstrução da memória da guerra de 1982 no Líbano. Começamos com o pesadelo contado no café a Ari Folman: Boaz Rein Buskila era um jovem soldado israelita e, sendo incapaz de atirar sobre humanos, foi-lhe incumbida a missão de matar os cães do lado libanês que, ladrando, davam conta da chegada de estranhos; o mandato, que fora executado por 26 vezes e há mais de 20 anos, também não havia agradado sobremaneira a Boaz e perturbava-lhe agora o sono – todos as noites sonhava ser perseguido por uma matilha de não mais que 26 cães. Porquê agora? E do relato Boaz passa a interpelar Folman – do que se lembra ele de Beirute, 1982?

O confronto é fracturante para a história do Médio Oriente. Foi em Setembro desse ano, entre os dias 16 e 18 para ser mais exacto, que sucedeu o massacre nos campos de refugiados de Sabra e de Shatila. Bachir Gemayel, cristão falangista, aliado dos israelitas e então recentemente (23 de Agosto) eleito Presidente do Líbano, tinha sido assassinado a 1 de Setembro. E embora os elementos das milícias palestinas já não se encontrassem em Sabra e Shatila (tinham sido evacuados há duas semanas para a Tunísia, por graça de um acordo entre palestinos e israelitas), os cristãos invadiram os campos com a finalidade de os purgar dessa gente ausente, acabando por matar cerca de três mil civis. Da complacência do exército israelita viriam, como consequências, a demissão do ministro da Defesa, Ariel Sharon (embora não o tenho impedido de chegar a primeiro-ministro, em 2001), e na concessão definitiva aos palestinos de alguns dos terrenos ocupados pelos israelitas na Palestina.

Isto vem nos livros de Geopolítica, com o seguinte o preâmbulo: em Junho de 1982, o exército israelita invadiu o Líbano, com o intuito de ocupar uma faixa de 40 quilómetros do sul do país (acabando a ocupar Beirute), de forma a proteger as cidades do norte de Israel dos bombardeamentos constantes provindos daquele lado da fronteira. As fotografias dos soldados nos tanques, passando paisagens lindíssimas, comendo batatas fritas, brincando uns com os outros – isso é o que não vem nos livros. Isso de ser pessoa, de ser indivíduo e não uma massa indiferenciada que tanto segue ordens como já não faz ideia do que o move, não faz mais ideia do que um assustado desejo de sobrevivência. Isso de ser gente, mais do que uma fatal carta postal – e ainda que menos que um pensador livre. Aquando da conversa no café, Folman, que também cumpriu serviço militar em Beirute, 1982, não se lembrava de nada. Mas a noite veio, o sono, e a memória não perdoou: lá estava ele mais três companheiros, nus, a boiarem no mar, olhando a cidade a ser destruída. Mais não sabe. E o que passamos a acompanhar é a busca do realizador por essas memórias de gente, quase sempre por antologiar, através de várias conversas e entrevistas.

A imbecilidade da guerra é-nos mostrada, verdade – mas não precisamos que Folman venha dizer-nos o que pensar, a sua força não é essa. É antes a sua parcialidade documental (não sejamos ingénuos, que uma coisa e outra nada têm de incompatíveis), os mecanismos pessoais de cada um para a defesa de tudo quanto se vai passando no terreno: a morte eminente, a morte por um azar ou sorte e a namorada que ficou para trás, a morte consumada nos companheiros, nos amigos, a ilusão da invencibilidade quebrada, os tanques tombando. Tudo do lado do atacante. Trata-se de um objecto artístico da estirpe de um Se Isto é Um Homem, de Primo Levi, mas com os acontecimentos vistos de posições diferentes. E se o sadismo e a cegueira são facilmente desbaratados nas costas dos mais fortes, não é de somenos importância o reconhecimento de que nas massas caminham indivíduos – e eis o que o filme se demora a mostrar.

A Valsa com Bashir é, antes de qualquer outro adjectivo, intemporal. O facto de estar datado e situado em nada o altera. Depois, é cru e humanista e existencialista e freudiano. É uma obra que suga todo o amplexo do ar. Não é uma revelação, porque o mundo se tem posto a jeito de levar bofetada tamanha e porque já andávamos, desde 1991, avisados da sensibilidade deste realizador israelita a quem chamam Ari Folman. Cannes fartou-se de aplaudir o filme; em Israel foi reconhecidíssimo; e o resto dos cinéfilos estão a aperceber-se e a agir em conformidade. Há quem fale em Óscares ousando nomeá-lo para melhor filme, ou colocando-a na categoria que Wall E já ganhou, de melhor animação. Porque tecnicamente – e fugindo ao actual cânone 3D da animação – esta valsa é também muito boa, ainda que o detalhe se vá perdendo à passagem dos minutos. Talvez por ter demorado quatro anos a realizar, ultrapassando em dezassete vezes o orçamento previsto. Mas esta é uma daquelas situações em que vale cada um dos cêntimos. É ver o trabalho do ilustrador e director de arte David Polonskey e do director de animação Yoni Goodman. A forte componente fantasista da memória a que a animação serve na perfeição.

Se isto é um filme, terminamos, o homem tem de se levantar.

Hugo Torres, Rascunho.net